Saturday, October 31, 2009

Drag Me To Hell [Sam Raimi, 2009]

Drag me to Hell
Choke on it, you old bitch!
Más que Arrástrame al Infierno, este regreso triunfal y avasallante de Sam Raimi al género que lo vio nacer bien podría llamarse Arrástrame a mis Orígenes.
Sorpresas tan agradables como Drag Me To Hell no se dan tanto como quisiéramos, por lo que cuando aparece una tan categórica, que nos sacude y reafirma nuestra creencia firme en el cine de género, hay que celebrarla, disfrutarla, y sobre todo ejercitar nuestros ojos y mentes cinéfilas y ver lo que un autor como Raimi -porque Drag Me to Hell es sin duda alguna cine de autor- esconde debajo de lo chocante y estrambótico.
Salvando las distancias, el nombre de Raimi se asocia tanto a un tipo particular de cine de terror como el de Mario Bava, Jacques Torneur o Dario Argento. El cine de terror de Raimi, cuya trilogía de The Evil Dead es la mejor representación de su estilo, es un cine hecho  desde la sensatez, de la lucidez que sólo provocan la locura y el desenfado más puro.
Porque Raimi entiende perfectamente que la distancia que separa al grito de horror de la carcajada es ínfima, y saber jugar con ese recurso fue lo que convirtió a la trilogía de marras en objeto de culto absoluto para los frikis, y lo que seguramente convertirá a la presente en un clásico del género dentro de muy poco.
Drag me to Goat
You tricked me, you black-hearted whoooooore! You b-i-i-i-i-i-i-i-itch!
Como dijera el propio Jacques Torneur una vez, todo está en el tono. En la superficie, Raimi desea que su audiencia grite con agrado, no con terror, pero el subtexto sugiere algo más profundo y oscuro. Christine es víctima de una maldición gitana, en tres días un demonio la visitará para llevársela al infierno, pero cuál demonio es peor, ¿el que viene a reclamarla o el que está dentro de ella misma?
A diferencia de las películas de terror que contaminan las salas de cine desde hace unos años, prácticamente indistinguibles una de otra, Raimi adopta uno de los recursos de Torneur de películas como Night of the Demon [de la que toma prestada la idea de una maldición de tres días que sólo se anularía regresando un regalo no solicitado] y Cat People: en lugar de que el espanto, el fantasma, el asesino en serie ataque a un colectivo, aquí se concentra en un sólo personaje, y la historia se convierte en un decadente viaje unipersonal en que este personaje se dedica a luchar contra  lo ineludible. Todo el peso de la historia y la inevitabilidad del mal que se acerca recae en una sóla persona, haciendo este recorrido incluso más agobiante.
Sam Raimi toca cada nota con la precisión y la imaginación de un veterano, y en cada momento nos deja notar claramente que disfrutó hacer lo que vemos en pantalla tanto como nosotros. Cada sobresalto cuenta, y mantiene el nivel de tensión firme hasta el fatídico desenlace.
El placer de torturar a sus actores es ya de leyenda, si no que le pregunten a su “muso” Bruce Campbell, pero aquí lo lleva al paroxismo. Como hizo Kubrick con la pobre Shelley Duvall en The Shining, el objetivo de Raimi era mantener a su protagonista Alison Lohman en el  borde del mismo abismo en el que se encontraba Christine, así que aquí no tuvo reparos en lanzarla por los aires o bañarla de líquido para embalsamar cadáveres.
A pesar de que el personaje atraviesa por momentos delirantes que más bien recuerdan al personaje de Wile E. Coyote en las caricaturas de El Coyote y El Correcaminos, la angustia que transmite Lohman es real, y los momentos de seriedad cuentan tanto como los no tan serios [¡el poster del gato en su habitación, “Hang in there baby”!].
El peor demonio al que Christine se enfrenta está dentro de sí: su inseguridad, sus problemas de peso, su baja autoestima y su sentimiento de culpa. Christine se encuentra en un predicamento similar al de Catherine Deneuve en Repulsion o al del propio Roman Polanski en Le Locataire, ambas dirigidas por él mismo. Las circunstancias externas son sólo catalizadores para que salga lo que ya existe dentro y hacer que el personaje se horrorice de sus propios complejos más que del demonio que se acerca, sólo que a diferencia de la seriedad de Polanski, Raimi lo hace con una sonrisa cínica.
Como si fuera poco, Christine se pasa las dos terceras partes de esta historia luchando incansablemente por conseguir cosas: un ascenso laboral, el respeto de los padres de su novio, olvidar un pasado del que se avergüenza, controlar la forma en la que los que la rodean la ven [su peso], y finalmente, la salvación de su alma, fracasando una y otra vez a pesar de sus esfuerzos. ¿Acaso hay algo más terrorífico que eso?
Drag Me To Hell 1
Yu shamed meeh!

Friday, October 30, 2009

Horror Fest ‘09

Waaah Nooooo Tyra Lasers

Repitiendo del año pasado, e inspirado por esta lista de 11 películas que Martin Scorsese publicó en el blog de The Daily Beast, el maratón de películas que toca ver entre hoy y mañana son:


Paranormal Activity [2009]

La sensación del año.

Uno de esos casos extraños en los que el hype es enteramente merecido y cierto.

 

The Black Cat [1934]

Por primera vez, Boris Karloff y Bela Lugosi juntos.

Su director Edgar G. Ulmer fue uno de los más famosos directores del cine "poverty row", las primeras películas verdaderamente independientes que se hicieron en Hollywood en plena era del “studio system”, la más conocida de todas es su obra maestra del cine negro, Detour.

Aún con su historia de adoradores del demonio y tono oscuro, The Black Cat es, como casi todo el cine de terror hecho en la época, una película envejecida y que ahora se ve ingenua y hasta un poco tonta, pero vale la pena verse por tener a dos leyendas del cine de género como Lugosi y Karloff compartiendo escena.

 

The Entity [1981]

Barbara Hershey atormentada [y violada] por una fuerza invisible. Una de las películas favoritas de Tarantino, cuya música utilizó en una de las mejores escenas de Inglorious Basterds.

 

The Haunting [1962]

No confundir con el terrible remake de Liam Neeson y Catherine Zeta Jones.

La mejor de todas las películas de terror producidas por William Castle y la madre de todas las películas de casas embrujadas. Scorsese la considera la mejor película de terror de la historia.

 

Night of the Demon [1957]

Jacques Torneur es uno de los grandes, el año pasado para este maratón tuve la dicha de revisar Cat People y I Walked With a Zombie, y no han perdido un ápice de su impacto.

Night of the Demon es quizás su película menos reconocida, pero en mi opinión es la mejor de todas las que hizo fuera de sus colaboraciones con Val Lewton como productor.

Quiera él admitirlo o no, Night of the Demon fue claramente la mayor inspiración de Sam Raimi para hacer Drag Me To Hell.

 

Drag Me To Hell [2009]

Podrá ser pastiche del cine de Torneur o repetición de sus The Evil Dead, pero Drag Me To Hell es una delicia y los 90 minutos más entretenidos que he tenido en un sala de cine en todo el año. No puedo esperar para verla otra vez.

 

Gatti Rossi in un Labirinto di Vetro [1975]

También conocida como El Ojo de la Oscuridad, esta fue una de las primeras películas que ví en Barcelona, así que ya de por sí me une un lazo especial a ella.

Posiblemente sea la primera película en la que se mostró la ciudad por su atractivo turístico, sólo que aquí hay un maniático suelto que ataca a sus víctimas y toma como souvenir nada menos que un ojo.

Cine de terror trash de lo mejor.


Mañana publicaré mini-reseñas de las que me salga.

Monday, October 19, 2009

Lo que queda…

Movie Fall 2009 A pesar de haber disfrutado del mejor verano de toda su historia en cuanto a recaudaciones en taquilla se trata, un momento en que más que nunca el público aparentemente iría al cine a ver lo que fuera cada fin de semana, demostrado claramente en que una película tan despreciable, tan corrupta, tan vacía de forma, de estética, de fondo, y desprovista de un sólo valor redentor como Transformers: Revenge of the Fallen se convirtiera en la número uno de todo el año, Hollywood sigue sintiendo los efectos de la crisis mundial, y en estos últimos meses del año, esa especie de nuevo conservadurismo y espíritu frugal [según los estándares de Hollywood, no los suyos o los míos] que están viendo las grandes corporaciones como Sony, News Corp. y GE [que a fin de cuentas son las dueñas de los estudios, ergo las dueñas de Hollywood] también arropa a la industria del cine.

DSC02961Shutter Island en Cannes. 

Este nuevo espíritu ahorrativo se llevó de canto a la película que más esperaba de todo el año, Shutter Island de Martin Scorsese, la cual fue postpuesta para el año próximo en un acto que sólo puede llamarse de “poetic justice” por el mismo Paramount Pictures que distribuyó la mentada Transformers, alegando que no disponía de los recursos para mercadearla y distribuirla como se debe. Igual sucedió con otro título muy esperado como The Green Zone, dirigida por Paul Greengrass.

Y si los grandes estudios hablan de apretarse el cinturón, qué puede decirse de los indies como Fox Searchlight y Focus Features, que este año no tienen ni una Juno [lágrimas], una Slumdog Millionaire [¡aleluya!] ni una Milk que los represente.

El Festival de Cine de Toronto, el lugar por excelencia donde estas “specialty units” de los grandes estudios van con las carteras llenas a escoger y comprar “proyectos de clase” a diestra y siniestra, tuvo uno de sus peores años cuando de adquisiciones se habla. Películas como Mother & Child protagonizada por una Annette Bening que busca su ansiado Oscar por cuarta ocasión, Get Low, con un Robert Duvall alegadamente extraordinario y buscando un segundo, se quedaron esperando que alguien las comprara. Ni hablar de la enorme cantidad de notables películas de todo el mundo que jamás verán la luz fuera del circuito de festivales, y que cuentan sólo con eventos como  Toronto para hacerse ver.

Aunque el Oscar ahora tendrá diez películas nominadas a Mejor Película, este año las campañas For Your Consideration que hacen los estudios para que los votantes de las premiaciones presten atención serán más modestas, y una cantidad menor de películas se repartirán el pastel de la taquilla y los premios.

La siguiente es una lista de lo más notable a estrenarse en lo que queda de año en Estados Unidos. Como siempre, la posibilidad de que el 80% de estos títulos se estrene en Santo Domingo es casi nula, pero como hemos hecho antes, saldremos fuera a verlas si es necesario.
 

En orden alfabético:

Los Abrazos Rotos

[Dir. Pedro Almodóvar]

Noviembre 20

Los Abrazos Rotos

En España la despreciaron, pero en Cannes Almodóvar es Dios, y la prensa internacional afortunadame la trató como lo que es: una de las películas más maduras y logradas del realizador manchego. La sumatoria de toda una carrera llena de color, obsesiones y personajes únicos. Almodóvar se consagra como arquitecto visual, como director de actores y como autor, el más importante del cine español de los últimos veinte años le pese a quien le pese.

Mi reseña.

 

 

Amelia

[Dir. Mira Nair]

Octubre 23

Amelia

El público y los críticos ya hablaron: Amelia es un desastre, Hilary Swank sólo sabe interpretar un sólo papel y aquí hace su rutina de siempre, Mira Nair se queda corta como directora para un proyecto de tanta envergadura. El resultado es el biopic convencional, anecdotario y aburrido. Para su suerte suya, al Oscar y sus votantes no les importa mucho eso, la Academia vive por este tipo de películas.

 

 

Antichrist

[Dir. Lars von Trier]

Octubre 23

Antichrist

Otra película de Cannes que logra salir del ghetto de los festivales de cine y llegar al gran público, pero no debe esperarse menos del provocateur Von Trier, quien logró arrancar igual cantidad de aplausos que de abucheos por su última obra cuando se presentó allí en mayo.

Von Trier carga con las culpas de siempre: violencia gratuita y gráfica, misoginia rampante, y un personaje masculino emasculado por el personaje femenino igualmente castrante como neurótico. Ah, y un ya infame zorro mecánico que anuncia “Chaos Reigns!”.

Todo eso es cierto, pero también falso. Reseña en breve.

 

 

Avatar

[Dir. James Cameron]

Diciembre 18

Avatar

El decepcionante trailer lanzado hace dos meses lo único que logró fue echar leña al fuego de la especulación – que Avatar es la fantasía de un director insulado de la realidad y rodeado de gente que no se atrevía a cuestionar su “genialidad”.

Cuando un proyecto viene vendiéndose por mas de 3 años como el que “revolucionará la forma de hacer y ver el cine”, lo único que puede hacer es decepcionar.

Esperemos.

 

 

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans

[Dir. Werner Herzog]

Noviembre 20

Bad Lieutenant

Werner Herzog parece que vio y se gozó tanto como yo la comedia no intencional llamada The Wicker Man, y pidió a Nicolas Cage que repitiera en esta su nueva película aquella actuación campy en la que repartía trompadas, era atacado por abejas, se paseaba en un traje de oso y sobreactuaba de una manera que hasta al propio Al Pacino causaría vergüenza ajena.

La diferencia es que ahora sí es intencional.

La entusiasta recepción en la pasada Mostra de Venecia deja claras dos cosas: que como dijo el propio Herzog, su película nada tiene que ver con la genial Bad Lieutenant de Abel Ferrara, y que otra película policial campy era lo que Cage necesitaba para volver a ser tomado en serio como actor.

 

 

Bright Star

Dir. Jane Campion

Octubre 15

Bright Star

La nueva película de Jane Campion fue elogiada en Cannes como un retorno triunfal para la realizadora neozelandeza que ya había irrumpido allí mismo hace 16 años con su extraordinaria The Piano.

Bright Star, la historia del romance truncado entre el poeta John Keates y Frances Brawne, parece uno de esos casos raros [como Atonement],  en los que el tradicional costume drama logra salirse de la rigidez de su corsé y ofrecer algo más que acentos ingleses perfectos y vestuarios llamativos. No esperábamos menos de alguien como Campion.

 

 

Brothers

[Dir. Jim Sheridan]

Diciembre 4

 Brothers

Remake de la película danesa de mismo nombre dirigida por Susanne Bier que vimos hace cinco años en la Muestra de Cine de Santo Domingo, y que sin ser demasiado notable, un director de tanto prestigio como Jim Sheridan considera digna de rehacer.

Aunque talentosos, los protagonistas que Sheridan eligió para esta historia parecen estar jugando a disfrazarse de mayores.

Ni Tobey Maguire parece un soldado de guerra, nadie se cree a Jake Gyllenhaal como oveja negra y hermano problemático, y Natalie Portman, más que parecer una ama de casa de pueblo y madre de dos hijas, parece su hermanita mayor jugando a ser grande.

 

 

Das Wiesse Band [The White Ribbon]

[Dir. Michael Haneke]

Diciembre 30

Das Weisse Band

La ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes no es sólo la mejor película que se verá en todo el 2009, también es la consagración definitiva [como si a alguien le quedaban dudas] de Michael Haneke como uno de los autores más importantes del cine actual.

Haneke visita terreno conocido: desenmascarar la cotidianidad del mal, la sordidez y la miseria que hay en cada ser humano, sea hombre o niño, y colocarlo a la vista del espectador con guantes de patólogo forense.

Con Das Weisse Band se propone algo más ambicioso todavía, quizás lo más arriesgado de toda su carrera: encontrar el huevo de la serpiente, el lugar y las mentes en las que tuvo su orígen la mayor fuente de mal que se ha visto en la historia reciente.

Aquel dicho cliché de que “los niños son el futuro” nunca había sido tan cierto.

 

 

An Education

[Dir. Lone Schefig]

Octubre 30

An Education

Hay dos tipos de educación – la de los libros y la de la calle.

En una aventura que en papel recuerda muchísimo a la de Audrey Hepburn en Roman Holiday, una joven promesa londinense llamada Jenny encontrará el balance entre esos dos tipos de educación.

La protagonista de esta historia, la inglesa Carey Mulligan, se gana las comparaciones con Audrey Hepburn a pulso, con una actuación en la que somos partícipes del nacimiento de una estrella, justo como sucedió con Audrey Hepburn en aquella inolvidable película en la que una princesa se atrevía a amar.

El nombre Carey Mulligan es uno que vamos a escuchar constantemente desde ahora hasta la entrega del Oscar en febrero próximo.

 

 

Everybody’s  Fine

[Dir. Kirk Jones]

Diciembre 4

Everybody's Fine

Robert De Niro es uno de esos actores [como su contemporáneo Al Pacino] que en los últimos años ha empañado un legado como el de pocos con elecciones tan cuestionables que sólo pueden explicarse con un cheque con muchos ceros.

Los pocos que la han visto aseguran que la comedia drámatica Everybody's Fine hará por Robert De Niro lo mismo que About Schmidt hizo por Jack Nicholson: revivir la carrera de una leyenda que había caído en la autoparodia, recordándonos por qué es considerado el actor definitivo de una generación.

 

 

Fantastic Mr. Fox

[Dir. Wes Anderson]

Noviembre 20

Fantastic Mr. Fox

Aunque desde hace un par de proyectos Wes Anderson muestra los mismos efectos de cansancio y decaimiento que otros autores con una estética tan bien definida y particular [e inmitada hasta el cansancio], aquí se hace valer de un material tan fuerte que es imposible arruinar, y hablamos de una de las obras menos reconocidas pero más contundentes de un autor como Roald Dahl.

Ojalá que este sea el Anderson vital de Rushmore y no el de The Darjeeling Limited.

 

 

Invictus

[Dir. Clint Eastwood]

Diciembre 11

Invictus

No somos miembros de la iglesia de Clint Eastwood.

Desde hace unos años, la crítica decidió unilateralmente que Eastwood ya no era el segundo John Wayne, sino el segundo John Ford, sin argumentos el director más importante y emblemático de la historia del cine norteamericano, una comparación nada despreciable.

El problema es que en la filmografía de Eastwood, aunque los críticos [especialmente los franceses] quieran convencernos de lo contrario, no hay nada fuera de Unforgiven que pueda siquiera acercar a Eastwood al trono que ocupa John Ford.

Los excusas para compararlos son tan básicas como que ambos comparten un minimalismo visual similar, que son contadores de historias económicos y sin muchos artificios, que ambos se hallan en una encrucijada de ofrecer culto a la guerra, a la actitud bélica, pero también culto a la pasividad y la paz, y que en la obra de ambos se saborea una melancolia por el pasado, por los hombres de honor de antaño. Para comprobar todo ello sólo hay que observar su última película Gran Torino, una que, como diría un buen español, es una auténtica tomadura de pelo que de haber sido hecha por otro director sería objeto de burla.

Esperen que esta “inspiradora y conmovedora” historia esté llena de los mismos trucos y que sea otra Gran Torino, pero ahora con Nelson Mandela de protagonista.

Una lluvia de premios Oscar para ella.

 

 

The Last Station

[Dir. Michael Hoffman]

Noviembre 3

The Last Station

Otra de las grandes sorpresas del Festival de Toronto fue este biopic sobre la atormentada vida de Tolstoy y su búsqueda constante por balancear una vida de fama y fortuna con sus principios revolucionarios.

Ya se habla de Oscar para el veterano Christopher Plummer [quien sorprendentemente nunca ha sido siquiera nominado], y Helen Mirren, quien hace unos días aceptó el premio a la Mejor Actuación Femenina por su papel en el Festival de Roma, agradeciendo en un italiano perfecto a Italia y sus actrices como Monica Vitti, Claudia Cardinale, Stefania Sandrelli, Gina Lollobrigida, Anna Magnani y Sophia Loren.

 

 

The Lovely Bones

[Dir. Peter Jackson]

Diciembre 11

The Lovely Bones

Aunque con una historia afincada en el realismo, Peter Jackson no se aleja de las raíces de fantasía de su trilogía de El Señor de los Anillos en su adaptación de la novela Alice Sebold, una historia que en gran parte se desarrolla mientras su protagonista se encuentra en el cielo observando a su asesino y a su familia autodestruirse tras su muerte.

 

 

The Men Who Stare at Goats

[Dir. Grant Heslov]

Noviembre 6

The Men Who Stare at Goats

La premisa de The Men Who Stare at Goats suena tan disparatada como la de que los nazis tuviesen un departamento de investigaciones sobre ocultismo y extraterrestres como vimos en la primera y la última entregas de la saga de Indiana Jones.

Los militares norteamericanos ya no encuentran que hacer con tantos recursos en su “War on Terror”, ya los métodos de tortura e intimidación no son suficientes, así que ahora forman una unidad ultra secreta de investigación paranormal en la que miembros selectos pueden ser capaces de matar a una cabra con sólo mirarla fíjamente.

Parece algo sacado de la imaginación de los hermanos Coen, pero es el debut como director de Grant Heslov, basándose en una novela de Jon Ronson.

 

 

Nine

[Dir. Rob Marshall]

Diciembre 25

Nine Cast

Ya no es Guido Anselmi, sino Guido Contini, pero sigue siendo el mismo director de cine, con el mismo grupo de mujeres de diversas etapas y facetas de su vida a las que debe enfrentarse mientras trata de filmar su novena película durante un período de sequía/procrastinación creativa.

Lo peor que podría pasar es que Rob Marshall, director de Chicago, se enamore más de la cuenta de su increíble elenco femenino y se concentre sólo en ellas y en el razzle dazzle, y no en el verdadero corazón de esta historia: el alma torturada de un director de cine que no termina de encontrar su voz.

Pero como dijo el propio Guido Anselmi en 8 ½, la obra maestra inspiración de Nine, “ustedes son las musas, las increíbles mujeres que crearon la Italia de hoy, un país dirigido por hombres, pero que a su vez son dirigidos por mujeres, lo sepan o no”.

Una probada:

Be Italian - Fergie

 

 

Precious

[Dir. Lee Daniels]

Noviembre 20

Precious

Al cine como Precious le llaman “Misery Porn”, películas en las que somos testigos de cómo un personaje es abusado de todas las formas imaginables por su entorno, generalmente de pobreza extrema, o por su mismo deseo de autodestrucción.

Basándose en Push, una novela escrita de forma rudimentaria y con un inglés pobre, tal cual como el de su personaje central, a través de cuyos ojos vemos esta historia, Lee Daniels dirige esta película que parece ser la madre misma de este mentado sub-género de “Misery Porn” – Precious es una chica que vive en el Harlem de crack y heroína de los años 80, pesa 350 libras, está embarazada de su segundo hijo fruto de las violaciones constantes de parte de su padre HIV positivo, y es abusada por una madre que la desprecia. Qué tal.

Aunque no se presentó en competencia, Precious era la película más comentada por la prensa mientras estuve en Cannes, y ahora, con el apoyo de Oprah Winfrey, el premio del público en el Festival de Sundance, una actuación alegadamente revelatoria nada menos que de Mo'nique [que vaya preparando su discurso para el Oscar], el mayor reto de la película es que haya público dispuesto a presenciar dos horas de tortura no muy diferente a la que se observa en películas como Saw o Hostel.

 

 

The Princess and the Frog

[Dir. Ron Clements, John Musker]

Noviembre 25

The Princess and the Frog

Luego del estrepitoso fracaso de Treasure Planet, la “edad de oro” de animación que Disney había iniciado con The Little Mermaid en 1989 terminó.

Cerraron sus estudios de animación tradicional, porque al parecer [al menos en Estados Unidos, el éxito de Hayao Miyazaki en todo el mundo prueba lo contrario] el público ya no acepta otro tipo de animación que no sea hecha digitalmente.

El riesgo ahora es doble, bajo la tutela de John Lasseter [cabeza y mente maestra de Pixar y director de Toy Story], Disney regresa con una película animada tradicionalmente y con una protagonista negra [¡!].

Como demostraron con el prólogo animado de Enchanted, que sirvió como una especie de experimento para probar las aguas, los animadores de Disney no han perdido su toque.

 

 

The Road

[Dir. John Hillcoat]

Noviembre 25

The Road

Un debut de la contundencia de The Proposition no se ve todos los días.

El segundo largometraje de John Hillcoat se basa en el bestseller post-apocalíptico de Cormac McCarthy, autor también de No Country For Old Men.

En la Mostra de Venecia y en Toronto las reacciones fueron reservadas, llamándola fría y distante, pero esa mismas acusaciones le fueron cargadas a The Proposition, así que mis expectectativas sobre este road trip/viaje padre-hijo/western post-apocalíptico se mantienen intactas.

 

 

A Serious Man

[Dir. Joel Coen, Ethan Coen]

Octubre 25

A Serious Man

Los Coen vuelven a sus orígenes, pero no necesariamente a sus orígenes como autores, sino a la comunidad judía en Minneapolis en la que crecieron y la que ineludiblemente formó la manera tan particular en la que ven el mundo.

Igual que un director como Woody Allen, los Coen hacen uso de sus personajes como extensiones de sí mismos, que hablan y piensan como ellos, personajes que habitan en universos específicos y muy bien delineados, y que han utilizado para hacer una especie de recorrido por la historia del siglo XX norteamericano, representado por el cine en todos sus géneros  – desde el cine de gángsters de Miller’s Crossing, el cine negro en The Man Who Wasn't There, la comedia screwball en Intolerable Cruelty, y ahora pretenden dar una mirada a lo que ocurre bajo la imagen prístina de la familia ideal norteamericana en una época de tantos cambios como los años 60.

Se espera, como siempre, su alta dosis de nihilismo, misantropía y su emblemático humor ultra ácido.

 

 

Sherlock Holmes

[Dir. Guy Richie]

Diciembre 25

 Sherlock Holmes.png

Guy Ritchie es un one hit wonder que nunca ha podido superar o cumplir con la promesa de su debut Lock, Stock and Two Smocking Barrels, así que se ha dedicado a imitarse a sí mismo, repitiendo la fórmula de su primera película una y otra vez,  a veces con mucho éxito [Snatch] y a veces no [Revolver].

En la única ocasión en la que se alejó de la fórmula de explorar ese mundo criminal londinense, le salió una de las peores películas de la historia del cine: la infame Swept Away, protagonizada por su entonces esposa Madonna.

Ritchie regresa al underground del crímen en la ciudad de Londres, pero ahora en otra época, y en lugar de ver la historia desde los ojos de los criminales, ahora lo hace del lado de la justicia, de mano uno de los personajes más famosos de la literatura – Sherlock Holmes.

Muchos criticarán el convertir un personaje como Holmes en un musculoso paladín de la justicia, pero nuestra fe en Robert Downey Jr. y en los reportes de la gran calidad del guión nos mantienen entusiasmados.

 

 

A Single Man

[Dir. Tom Ford]

Diciembre 11

A Single Man

El afamado diseñador de modas Tom Ford, el mismo que  con su enorme talento logró revivir una marca en su momento moribunda como Gucci, logra en su debut cinematográfico una explosión de color, de emociones reprimidas y frustraciones similar a la del cine de Douglas Sirk. Este es el tipo de historias que Sirk contaría si viviese hoy .

A Serious Man fue una de las sensaciones del Festival de Toronto, y ya se habla de Oscar para sus protagonistas, el subvaluado Colin Firth y la siempre confiable Julianne Moore.

 

 

Up in the Air

[Dir. Jason Reitman]

Diciembre 4

 Up in the Air

Si este año hay una Juno, esta es.

Y no es sólo porque está dirigida por el mismo Jason Reitman, sino porque igual que Juno fue la gran sensación del Festival de Toronto, el personaje de George Clooney es otro que igual que Juno vive en su propio mundo y todos los personajes hablan con esos diálogos rebuscados y cooler than you.

La diferencia es que esta parece ser un drama existencialista con más diente y con algo importante que decir sobre el mundo corporativo actual.

 

 

El resto [no, pero gracias]….

 

2012

Dir. Roland Emmerich

Noviembre 13

2012

Del director de Independence Day y The Day After Tomorrow. ¿Hace falta decir algo más"?

 

A Christmas Carol

[Dir. Robert Zemeckis]

Noviembre 6

 A Christmas Carol

Luego de ver cómo Jim Carrey logró con sus payasadas destruir una historia y un personaje como The Grinch, y ver lo que ha hecho Robert Zemeckis con sus zombies de plástico y ojos muertos en Beowulf y The Polar Express…no, gracias.

 

The Blind Side

[Dir. John Hancock]

Noviembre 20

The Blind Side

Luego de recobrar su status de la actríz más taquillera del mundo con la desabridísima The Proposal, Sandra Bullock ahora quiere un Oscar y respeto, así que nada mejor que un papel en el que le toque imitar un acento y hacer uno o varios discursos emocionales donde le toque llorar, gritar o romper un plato.

 

It’s Complicated

[Dir. Nancy Meyers]

Diciembre 25

It's Complicated

Nancy Meyers [What Women Want, The Holiday, Something's Gotta Give]    haciendo otra “comedia” “romántica” hecha para que, sin sonar sexista, las mujeres de todo el mundo se sienten en el multiplex luego de haber hecho sus compras de navidad en el mismo centro comercial, y en unas interminables dos horas se sientan “empowered” al ver mujeres exitosas e independientes que no necesitan de la presencia de un hombre en su vida…desmoronarse cuando no lo consiguen.

¡Viva el feminismo!

 

New Moon

[Dir. Chris Weitz]

Noviembre 20

 New Moon

Un fenómeno que jamás entenderé.

Intenté leer un par de páginas de Twilight por puro morbo, pero la vida es muy corta para desperdiciarla con ciertas cosas.

Que les aproveche a los Twihards.

Wednesday, October 14, 2009

Inglorius Basterds [Quentin Tarantino, 2009]

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Rabbia e Tarantella – Ennio Morricone
El día es miércoles 20 de mayo de 2009. La proyección de Inglorious Basterds acaba de concluir en el Grand Théâtre Lumière que se encuentra dentro del complejo del Palais des Festivals de Cannes. Esta es mi segunda visión de la película, ya la había visto ese mismo día en la proyección de prensa del mediodía, pero gracias a un milagro que nunca podré agradecer lo suficiente, consigo una invitación a la gala de la tarde. Logro entrar sin necesidad de buscar un tuxedo prestado. No es tan complicado como había escuchado.
A estas alturas ya estaba convencido de que había visto la mejor película de todo el Festival – Un Prophète de Jacques Audiard – pero esta segunda visión de IB cambia las cosas un poco. Volverían a cambiar otra vez al día siguiente cuando viera Das Wiesse Band de Michael Haneke, la eventual ganadora de la Palma de Oro. Así son las cosas en un Festival que ofrece lo mejor del mundo y cada día tiende a superar el anterior.
Pero volviendo a lo que importa, el título de “Grand Théâtre” no es gratuito, el lugar es impresionante. De Palma no le hace justicia en el magistral opening de Femme Fatale.
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La atmósfera es como ninguna otra que he experimentado en toda mi vida. Pensar que aquí vieron por primera vez la luz películas como Taxi Driver, Il Gattopardo, The Third Man y Apocalypse Now, y que estoy pisando el mismo suelo que pisaran Fellini, Kurosawa y Orson Welles es emocionante e intimidante a la vez.
En el público se encuentra la élite de la prensa mundial, celebridades a las que en su mayoría conocen sólo en su casas, y por supuesto, Tarantino y su elenco.
La proyección termina y de inmediato comienza una ovación de la que también soy parte. Siempre me fascinaron esas historias de ovaciones de pie en los festivales. Se dice que la más larga que se recuerde fue en la Mostra de Venecia durante una retrospectiva dedicada a Buster Keaton, quien volvió de su retiro para ser homenajeado allí y fue el más sorprendido de que alguien se acordara de él y su obra. No tomo el tiempo, pero al final varios periodistas dicen que duró más de 7 minutos, la más extensa en todo lo que va de Festival.
Un camarógrafo presente en la sala toma a un Tarantino que se observa triunfante en la misma enorme pantalla en la que acaba de presentarse su película. Alza su mano unida a la de Brad Pitt como si acabaran de ganar un match de boxeo. Una radiante Angelina Jolie, más bella en persona aún, y el resto del elenco, incluyendo a la estrella del día Chritoph Waltz, sonríen orgullosos. Tienen razones de más para estarlo.
Inglorious Basterds
El resto más tarde.
*Inglorious Basterds por fin se estrena mañana jueves 15 de octubre en Santo Domingo.

Saturday, October 3, 2009

XI MICSD – V

Camino

Dir. Javier Fresser, 2008 | España

Camino ¿en serio?

Ya había tenido la suerte de ver Camino a finales del año pasado en Barcelona, justo antes de que ganara el premio Goya a la mejor película española del año pasado. La puse incluso como la última de mis películas favoritas del 2008.

Cuando me enteré que formaría parte de la programación de la Muestra, moría de ganas por verla con público dominicano y examinar sus reacciones, sobre todo en un momento en el que estamos viendo como ciudadanos que nuestras libertades personales están en juego por la influencia de los sospechosos habituales.

Bueno, las reacciones fueron tales que hasta el Premio del Público terminó ganando, pero no puedo evitar preguntarme, ¿por encima de la cabeza de cuántos rosariohabientes, golpeadores de su propio pecho y simpatizantes del código 30 de nuestra ilustre venidera constitución habrá pasado el mensaje de Javier Fresser y su Camino de largo?

Cuando estudiaba en un colegio de monjas, dos o tres de ellas a las que estaré infinitamente agradecido por el mensaje de amor y compasión que me instruyeron desde muy pequeño, recuerdo vívidamente el día en que pregunté a una de ellas que por qué Jesús quería que creyeramos ciegamente en él y la existencia de su padre. La respuesta la recuerdo más vívida aún: “El señor castiga a los que dudan.”

A lo largo de esta historia, Camino y su madre dudaron. Su padré dudó. Su hermana numeraria dudó. La duda, el escepticismo creo que es uno de los mayores dones con los que contamos los humanos como seres racionales y pensantes. ¿Por qué debe castigarse la duda de la existencia de un ser divino, si una de las cosas que siempre hemos escuchado de él es que es todo amor, todo perdón y todo compasión? ¿Es que acaso la fé y la duda son dos conceptos mutuamente excluyentes?, pero mi mayor pregunta termina siendo, ¿Es el principal objetivo de la religión organizada, la fundamentalista y extremista que no dista mucho de parecerse a la ideología talibana, aplastar ese instinto natural de la duda? Unas piedritas en el zapato para recordar el dolor de “quien murió por nosotros” parecen ser suficiente para logralo.

Me quedo también con la interrogante de cuántos de los que votaron por Camino como su película favorita de la Muestra salieron de la sala con la espina de la duda.

Todavía sigo pensando que los elementos de fantasía del primer tercio no convencen ni cuajan con el resto, pero la última parte contiene el mensaje más punzante y más directo que he visto en mucho tiempo en una película.

¿En qué creemos?


Retorno a Hansala

Dir. Chus Gutiérrez, 2008 | España

Retorno a Hansala

"De aquí se ve África..."

Con Regreso a Hansala dio apertura la 11va edición de una Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo dedicada a España, un país al que aunque indudablemente debemos muchísimo como nación, la deuda es mutua.

España es un país que desde la época de la colonización se ha servido de otras naciones para alcanzar su status quo - desde la esclavitud y el saqueo de países como el nuestro, hasta llegar a esta nueva forma de “colonialización a la inversa”, por llamarle de alguna forma.

Regreso a Hansala comienza con la promesa de ser un retrato arriesgado de cómo un creciente número de ciudadanos africanos arriesgan sus vidas para llegar a las costas españolas.

Luego de un inicio que parece inspirado en Le Scaphandre et Le Papillon, y luego un par de escenas en las que avistamos la promesa de que nos enfrentaremos al conflicto de una inmigración desarraigada contrastada con la de un hombre que se siente extranjero en su propio hogar, con lo que terminamos es con un melodrama de postalita, demagogo y preciosista, que traiciona la promesa inicial.

Ahondar en el tema de “hacer lo correcto vs. obtener beneficios materiales” necesita mucho más carácter y ambición de lo que se observa en Retorno a Hansala.

Las intenciones de Chus Gutiérrez serán nobles y sinceras, pero lo que vemos aquí es una pura y dura demostración sentimentalista de “white guilt”, en la que el hombre blanco siente sobre sus hombros el peso de los errores y horrores que sus antepasados han perpetrado contra los más débiles, y trata de lavar esa culpa con actos rebuscados y poco creíbles.

Me parece que Retorno a Hansala apuntaba a parecerse al cine naturalista de Abbas Kiarostami, pero se queda muy muy corta.

Friday, October 2, 2009

XI MICSD – IV

Dos historias ambientadas en prisiones -uno de nuestros subgéneros favoritos- con dos enfoques muy diferentes:

Leonera

Dir. Pablo Trapero, 2008 | Argentina

Leonera

Al reunir el carácter de una “Women’s Picture” del Hollywood de los años 40, el espíritu del neo cinema verité de los hermanos Dardenne, y un poco de la esencia [sin la xenofobia y el extremismo] de Midnight Express de Alan Parker, el resultado es cine como Leonera.

Julia encuentra a su novio brutalmente asesinado en su apartamento. Nunca sabremos si realmente fue ella quien cometió el crímen, o si fue Ramiro, su compañero de apartamento y amante de su novio. Toda la evidencia es circunstancial, pero la deja como lo culpable más probable.

Culpable o no, Julia va a prisión, donde descubre que está embarazada. El lugar donde se encuentra es lo que se llama una “leonera”, un pabellón carcelario que es una especie de purgatorio entre la libertad y la prisión donde las reclusas embarazadas son confinadas, y donde pueden mantener a sus hijos hasta los 4 años. Lo de Leonera igual puede ser por el amor protectivo-defensivo similar al de las leonas por sus cachorros que estas madres sienten por los hijos que dentro poco perderán, o por las terribles condiciones en las que se encuentra la prisión.

Si el embarazo en condiciones normales es una montaña rusa emocional para la mujer, imagínese vivirlo tras las rejas. Imagínese luego aferrarse tanto a un ser y luego verse obligado a separarse de él, unido a ello el terrible conflicto interno que genera el amor vs la conveniencia y el bienestar del ser amado.

Las obligatorias escenas en las que la película se acerca al género que representa –motines, peleas, conflictos con otras reclusas, los aliados, los oponentes, momentos de frustración en los que se da por vencida– son elevadas por un sentido de naturalidad que aporta tanto la cámara y el manejo de ella por parte de su director Pablo Trapero, como la extraordinaria actuación de Martina Gusman.

Leonera fue parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes del 2008.


Estômago

Dir. Marcos Jorge, 2008 | Brasil

EstomagoUna vuelta de tuerca interesante al género, donde no hay intrigas mayores ni intentos de escape elaborados, sólo el deseo de escalar en la cadena alimenticia dentro y fuera de prisión, dos mundos donde la ley es la de comer o ser comido.

Raimundo Nonato es el retrato del hombre de pueblo que llega a la gran ciudad en búsqueda de oportunidades. Por casualidad termina descubriendo que su vocación y pasión en la vida es la cocina, lo que le ayudará a ganarse el corazón primero del hombre que le ayuda a descubrir su talento escondido, el de una prostituta carnosa y constantemente hambrienta sacada de una fantasía de Fellini, el del hombre que le ayuda enfocar ese talento, y finalmente el de sus compañeros de prisión.

Contada en dos timelines paralelos – el momento actual, en el que Nonato se encuentra en prisión por una situación que no conocemos [pero sospechamos desde el principio] hasta el final, y los meses previos, en los que vemos su “ascenso” no demasiado creíble de hombre de pueblo un tanto bobo a mente maestra calculadora y cínica , Estômago tiene toda la picardía y el entusiasmo contagiante del cine brasileño y su gente. Si bien sus tintes de humor negro y de ironía son un poco obvios para mi gusto, el resultado es una comedia agradable y muy entretenida.

Thursday, October 1, 2009

XI MICSD – Restrospectiva Carlos Saura

Cría Cuervos

1976 | España

Cria Cuervos

Revisitar películas particulares cada cierto tiempo es uno de los mejores ejercicios que el cinéfilo verdaderamente dedicado debe hacer, más aún si se trata de verlas por primera vez en 35mm. Creo que fue Roger Ebert que dijo algo como que las películas viven y respiran en las salas de cine, que lo queda en un DVD es un mero fantasma de lo que fue en una sala oscura.

Como sucede con casi todas las grandes películas, el efecto de Cría Cuervos es aún mayor en la pantalla grande. La ambición de Saura se observa tan grande y precisa como las imágenes repletas de simbolismo que plasma en la ella.

La historia de Ana y sus hermanas se presta para múltiples lecturas: la crónica de la pérdida paulatina de la inocencia infantil, la crónica de la decadencia de una burguesía desfasada, la crónica de una nueva generación que debe llegar a términos con los horrores que sus antepasados perpetraron durante un régimen y una guerra de hermanos contra hermanos, y la crónica de cómo esa generación deberá librarse de esos fantasmas y ese pasado que pesa tanto.

En su esencial documental A Personal Journey Through American Movies, Martin Scorsese habla de los obstáculos que durante una época los realizadores norteamericanos debían sortear para lograr que su visión y su mensaje llegaran a la audiencia haciendo el menor número de compromisos posibles, ya fuera a la censura del código Hays o al miedo de la amenza comunista: el director se veía compelido a convertirse en un “smuggler”, en una especie de “contrabandista”, y ocultar esos temas que podrían considerarse contestatarios o controvertidos tras una simbología que seguramente pasaría de largo por la cabeza de la despistada censura.

La limitación saca la creatividad a fuerzas, no hay duda. Saura se convirtió en otro exponente de esta metodología, viendo en las restricciones de la censura una oportunidad de hacer florecer un estilo visual y narrativo en el cine español que ya Buñuel [su maestro a quien homenajea con sus inconfundibles patas de gallina] y Berlanga habían repasado con muchísimo éxito con películas como Viridiana y El Verdugo.

Pero el atrevimiento de Saura era mayor, ya que la mayor parte de su cine, incluyendo otras películas tan ácidas como La Caza y La Prima Angélica, las hizo bajo las naríces de la acérrima censura Franquista. Su cine de denuncia no es revisionista, lo hacía justo cuando estaban sucediendo los hechos, algo inaudito, por no mencionar arriesgadísimo.

Cria Cuervos 2

En Cría Cuervos cada personaje es el retrato de una España diferente: la abuela que silente añora los años en que todo fue mejor, el padre que representa la figura draconiana y totalitaria del régimen Franquista, la madre es el pueblo que agoniza poco a poco bajo su yugo, y las niñas un pueblo nuevo que permanece hipnotizado, inerte durante una época en la que el tiempo parecía haberse detenido y España crecía a las espaldas del mundo.

En un momento clave, la Ana adulta revela directamente a la cámara en una escena sacada de alguna película de Bergman que su niñez fue un período largo, interminablemente triste, donde el miedo lo llenaba todo.

A través de los ojos de Ana Torrent, tal como lo hizo años antes en El Espíritu de la Colmena, vemos a una familia y a una sociedad tronchadas por los efectos de la época más oscura de la historia reciente de una nación. Vemos la complejidad de la niñez, una época de cambios y descubrimientos, exacerbada por dos grandes pérdidas y la renuencia de enfrentar el presente, el surgimiento de un nuevo orden, aferrándose a recuerdos y maquinaciones. Ana desea eliminar todo lo malo, todo lo enfermo de su mundo, así sea matándolo, pero en su mente es sólo una forma de terminar con las cosas que ve como erróneas, desde el enorme sufrimiento de su madre, la pasividad de su abuela, la crueldad de su padre y la ingerencia de su tía.

El final de una era y el inicio de otra lo marca el comienzo de un nuevo año escolar. Aquella casa, cuyo esplendor era la representación misma del poder que acumulaban sólo unos cuantos, ahora se ve decadente, opacada por el ruido y la publicidad en una ciudad que ahora se abre al mundo y a otras posibilidades.

Saura cuenta: “Creo que vivimos inmersos en una sociedad construída sobre la base de una acumulación de errores. No me cabe duda de que muchos de estos errores pueden ser corregidos, de ahí parte mi optimismo por el futuro.”

Ana, sus hermanas y sus compañeros de escuela crecerán en otra realidad. La gente que camina por las calles de Madrid a partir de ahora son otras. O por lo menos parecen serlo.

Obra Maestra.

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