Tuesday, July 31, 2007

La Aventura

Los grandes siempre se van en grupos de tres, ¿quién será el próximo?

Igual que Bergman, ayer murió Michelangelo Antonioni.

Junto a Bergman, Fellini y los franceses de la Nueva Ola, Antonioni formó parte de un grupo de realizadores que durante los 60 crearon una nueva escuela de cine Europeo que rompió reglas, llegó a todas partes del mundo y los hizo leyendas vivas.

De este grupo, el cine de Antonioni es quizás el más críptico y el menos accesible o audience-friendly.

Él mismo lo admitió varias veces. Más que un cineasta nato, Antonioni era un hombre de ideas que meramente utilizaba el celuloide como medio para plasmarlas.

Su estilo de hacer cine casi sin diálogos, con personajes que no hacen mucho más que contemplar su soledad y su alienación del mundo que los rodea, tiene una mística inigualable.


Con L’avventura, su obra más reconocida, desafió las reglas de la narrativa tradicional. Un grupo de amigos llega a vacacionar a una isla volcánica del sur de Italia. La esposa de uno de ellos desaparece, y durante la búsqueda el hombre se enamora, o cree estar enamorado, de la mejor amiga de su esposa desaparecida. La mujer nunca aparece y nunca se da una explicación de su paradero y de cómo desapareció.

Aquí comenzó su fascinación por explorar el tema más representativo de su carrera - La soledad, y cómo el hombre se encuentra cada vez más sólo y alienado en un mundo indiferente que lo consume.

En L'avventura, la búsqueda de Sandro de su esposa perdida es una excusa para mostrar el viaje de auto-descubrimiento de un hombre que vive una vida vacía y sin ningún propósito.

Afortunadamente, aunque maestros como Bergman y Antonioni no se encuentren con nosotros físicamente, su legado perdurará por siempre.

Cada vez que en cualquier parte del mundo se vea una de sus películas, será como si todavía vivieran.

Monday, July 30, 2007

Escenas de una Vida

El día de hoy marca el fin de una era.

Hoy murió una de las últimas leyendas del cine.

Hoy Ingmar Bergman perdió su partida de ajedrez con la muerte.

Con una filmografía de más de 50 películas, el legado de Bergman al mundo de las artes no tiene comparación.

Woody Allen dice de él: "he’s probably the greatest film artist ... since the invention of the motion picture camera."

Spielberg dice: "I have always admired him, and I wish I could be a equally good filmaker as he is, but it will never happen. His love for the cinema almost gives me a guilty conscience.”

La muerte y el camino inevitable que todos recorremos hacia ella era uno de sus temas favoritos. En una de sus últimas entrevistas dijo lo siguiente:

When I was young I was terribly afraid of dying. Now I feel it is a very, very wise arrangement. It is like a candle that is blown out. Not much to fuss about."

Sólo espero que sus interrogantes sobre la existencia de Dios, el sentido de la vida y la vida después de la muerte, todas plasmadas de forma magistral en la pantalla en películas como El Séptimo Sello, Fresas Salvajes y Persona, hayan sido contestadas.



Descansa en paz.

Sunday, July 29, 2007

Amy Winehouse

Amy Winehouse es una de mis cantantes favoritas y este es mi performance favorito de ella.

Esto fue hace fue hace ya 4 años en el famoso show del inglés Jools Holland, donde van a presentarse los artistas más importantes del mundo a cantar EN VIVO.

Amy ya es mucho mas famosa que en ese entonces. En Estados Unidos su último album Back to Black [el mejor album de los últimos 5 años] ya ha vendido mas de 1 millón de copias y es la crackhead favorita de todo el mundo.

Ahora está casada, como con 40 libras menos, con más cabello y con 5 libras de coke, meth y marihuana más consumidas.

Stronger Than Me:

Puerco Araña

El que no haya visto Los Simpsons La Película todavía, que no vea estos videos.





Thursday, July 26, 2007

Los Simpson: La Película

No hay nada que amargue más la experiencia de ver una película que compartirla con un público que no aprecia lo que está observando.

No quiero sonar snob, pero Los Simpson no son para todo el mundo.

Es un tipo de humor que requiere conocimiento y atención para apreciarlo. No es un humor fácil y complaciente de pipí y pupú, hombres infieles o mujeres con poca ropa que las masas disfrutan.

Se necesita conocimiento de la cultura popular, eventos actuales, historia, etc. No quiero decir que la gente que no aprecie el humor de Los Simpson sea estúpida, pero hoy creo que salí un poco más convencido de eso de la sala.

No dudo que muchas de las personas que se sentaron a mi alrededor con cara de machete sin reirse ni una sola vez de tantas situaciones graciosísimas, diálogos brillantes y la sátira a todo lo que representa la cultura norteamericana que sólo el equipo de escritores de Los Simpson puede crear, se destornillaron a carcajadas viendo Un Macho de Mujer, Sanky Panky o disfrutan todos los domingos de las 'hilarantes ocurrencias' del elenco de Titiri Mundati.

Ellos se lo pierden.

Luego de 18 años, muchos consideran que la frescura e inteligencia de Los Simpson se ha agotado considerablemente, y puede que tegan razón, pero mantener un programa de televisión durante 19 temporadas y casi 400 episodios y que todavía siga siendo relevante y [aunque con sus altas y bajas] gracioso, es increíble.

También puede que sea cierto que luego de 18 años de promesas de una película, el producto final no cumpla las expectativas tan altas que se habían creado; pero el caso es que la película es divertidísima y no creo que los verdaderos fanáticos del show como yo puedan salir decepcionados.

El equipo creativo que participó en joyas como el episodio de Campo Crusty, o el de ¿Quién mató al Sr. Burns?, o el de 'Bobo' el amiguito del Sr. Burns, o el episodio spoof de Cape Fear con Bob Patiño, todos colaboraron en la creación de la película, y esa es una de las razones por las que por momentos se siente como un episodio alargado de esos años dorados del show entre 1992 y 1996 cuando se hicieron los mejores episodios.

En la película, como en el show, la estrella indiscutida es Homero. Una de las razones por las que disfruto más el show en español es por el genio que hace el doblaje de Homero, y aquí nuevamente se luce dando vida al idiota más adorable que existe.

Aunque por razones monetarias no escuchemos las voces que estamos acostumbrados a escuchar de Marge, Lisa, el Sr. Burns y Flanders [mis personajes favoritos], el Jefe Gorgory y otros, los sustitutos lo hacen tan bien, que lo que al principio causa un poco de distracción luego se olvida.

La historia puede que se sienta un poco floja y no sea lo suficientemente fuerte como para sostener una película de más de 80 minutos, pero al igual que en el show, lo importante no es la historia central, son las partes individuales que la componen lo que hace que funcionen - los gags visuales, las ocurrencias e intercambios entre los personajes, las referencias a hechos actuales y la crítica al estilo de vida norteamericano - todos, TODOS los ingredientes que los fanáticos del show disfrutamos están presentes.

Hay una escena en particular con una aparición especial de Tom Hanks que es una de las sátiras más brillantes que han hecho los creadores del show de la cultura americana y su situación política actual. Lástima que le pasó por encima a la mitad de los que estaban en la sala.

Como dice Roger Ebert, el éxito de Los Simpson radica en la capacidad de los escritores y animadores de hacer algo que es radical pero a la vez simple, subversivo pero con buen corazón, y ofensivo sin en realidad querer serlo. Un balance perfecto.

Festival de Cine de Venecia

El festival de Cannes puede que sea más popular y prestigioso, pero Venecia tiene una magia dada tanto por ser el festival de cine más antiguo del mundo [este año cumple su 75 aniversario] como su la locación. Imagínese salir de disfrutar una gran película de festival y luego salir a pasearse por los canales de Venecia.

Del 29 de agosto al 8 de septiembre, la edición número 64 de La Mostra, llenará a Venecia de estrellas y grandes directores llegando, como se ha hecho ya costumbre, en góndolas hasta el gran Palazzo del Cinema.

La película de apertura será una versión restaurada del clásico del Spaghetti Western dirigido por Sergio Leone – Por un Puñado de Dólares.

Este año se dará el Gran León de Oro a la Trayectoria a uno de los directores que más admiro, Tim Burton, y de paso se mostrarán escenas de su última creación, una de las películas más esperadas del año – la adaptación del famosísimo musical de Stephen Sondheim Sweeney Todd.

Reunido nuevamente con su muso Johnny Depp y su mujer Helena Bonham Carter, el material oscuro y macabro de Sweeney Todd parece hecho a la medida para Burton.

Con nuevas películas de grandes directores como Ang Lee, Woody Allen, Brian de Palma, Wes Anderson, Todd Haynes y la leyenda viviente Eric Rohmer, esta promete ser una de las mejores ediciones de La Mostra en mucho tiempo.

Aquí la selección de películas a exhibirse en competencia por el León de Oro y destaco las que más quiero ver:


- Joe WRIGHT Atonement - UK / USA, 123’

- Wes ANDERSON The Darjeeling Limited - USA, 91’

- Kenneth BRANAGH Sleuth - UK / USA, 86’

- Youssef CHAHINE Heya fawda (Le Chaos) - Egypt, 122’

- Brian DE PALMA Redacted - USA, 90’

- Andrew DOMINIK The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford -
USA, 155’

- Paolo FRANCHI Nessuna qualità agli eroi - Italy / Switzerland / France, 102’

- Tony GILROY Michael Clayton - USA, 119’

- Peter GREENAWAY Nightwatching - UK / Poland / Canada / Netherlands, 134’

- Jose Luis GUERIN En la ciudad de Sylvia - Spain, 90’

- Paul HAGGIS In the Valley of Elah - USA, 120’

- Todd HAYNES I’m not There - USA, 135’

- JIANG Wen Taiyang zhaochang shenqi (The Sun Also Rises) - China / Hong Kong, 116’

- LEE Kang Sheng (LI Kangsheng) Bangbang wo aishen (Help Me Eros) - Taiwan, 107’

- Abdellatif KECHICHE La Graine et le mulet - France, 151’

- Ang LEE (LI An) Se, jie (Lust, Caution) - China / USA, 135’

- Ken LOACH It’s a Free World… - UK / Italy / Germany / Spain, 96’

- Vincenzo MARRA L’ora di punta - Italy, 96’

- MIIKE Takashi Sukiyaki Western Django - Japan, 121’

- Nikita MIKHALKOV 12 - Russian Federation, 153’

- Andrea PORPORATI Il dolce e l’amaro - Italy, 98’

- Eric ROHMER Les Amours d’Astrée et Céladon - France / Italy / Spain, 109’

Tuesday, July 24, 2007

Ahora son 13

Este es el verano de las terceras partes.

Las tres primeras que hemos visto han sido decepciones terribles: Spider-Man 3, Shrek the Third y Pirates of the Caribbean at World's End. Si me ponen a elegir cuál es peor, no sabría cuál escoger.

La presente estoy seguro que es la mejor de todas las terceras partes que han habido y de las que faltan.

Volviendo a al mundo de Danny Ocean, soy de los pocos que no cree que hubo una disminución en calidad de la primera a la segunda entrega. La segunda incluso me gusta más.

La razón de esto es su director, Steven Soderbergh, quien es un maestro visual absoluto. Hasta en sus películas consideradas flojas [no por mí] como The Good German, su manera de construir visualmente una película es destacable. Es de los pocos directores que está conciente que el cine es un medio elementalmente visual.

No sólo dirige, sino que él mismo es el director de fotografía de todas sus películas y también opera la cámara principal.

Para la segunda película tomó la decisión de ubicar la historia en Europa y darle un toque distintivamente europeo que no se veía en el cine americano desde hace mucho. En mi opinión, ese estilo desenfadado tanto argumental como visual le quedó como guante a este tipo de cine de ladrones con clase.

Inspirado totalmente por el French New Wave, por momentos parecía que estuviéramos frente a una película hecha en Francia en los 60. Lamentablemente, ni al público ni a los críticos parece que les agradó mucho.

En esta ocasión, Soderbergh y su equipo dejan esas ideas experimentales de lado, y se van por lo seguro, utilizando la fórmula que funcionó tan bien en la primera.

Como ya conocemos a todos los personajes, no hay que perder tiempo con introducciones y vamos directo a la acción - Reuben [Elliot Gould], el mentor de Danny [George Clooney] y Rusty [Brad Pitt] y miembro de la pandilla original de los 11, es engañado por Willy Bank [Al Pacino], dejándolo postrado luego de sufrir un ataque al corazón producto de la traición.

Ahora el objetivo del grupo es vengar a Reuben arruinando a Willie Bank en la inauguración de su nuevo hotel, haciendo que todos los apostadores de la noche de apertura ganen lo más posible. Para lograrlo iran desde provocar un terremoto, truquear los dados a usarse ese noche infiltrándose en la factoría mexicana que los fabrica, hasta llegar al extremo de pedir ayuda a su enemigo Terry Benedict [Andy Garcia], también rival de Willie Bank.

Al igual que en las anteriores, lo que mejor funciona en esta película, aparte de la química entre todos los actores, es observar la forma en que es urdido y puesto en marcha el plan, siempre con la dosis de humor correcta. No nos aburrimos porque estamos ansiosos por saber cuál es el próximo paso y ver si el anterior funcionó. Muchos dirán que es repetitivo, que no hay nada nuevo que ofrecer o que es una excusa para hacer más dinero, pero el asunto es que todavía funciona.

Todos los miembros del grupo original de los 11 están de vuelta. Julia Roberts y Catherine Zeta-Jones quedaron fuera y en su lugar se reúne la famosa pareja de Sea of Love - Al Pacino y Ellen Barkin. Este es un tipo de rol para el que Pacino no necesita esforzarse mucho, y lo hace de forma correcta, pero es una pena que una actriz tan talentosa y poco empleada como Ellen Barkin quede relegada a un segundo plano y su personaje sea sólo una excusa para que uno de los aspectos del plan dé resultado.

Los actores, incluyendo a Pacino, se notan tan cómodos y naturales en sus roles, que por momentos uno se pregunta si están actuando o siendo ellos mismos. Algunas escenas de intercambios entre Brad Pitt y George Clooney en particular parecen intercambios entre Brad Pitt y George Clooney y no entre Danny y Rusty.

Soderbergh vuelve a hacer uso de los toques retro que tan bien funcionaron en las películas anteriores, tanto en los créditos, la musicalización y efectos como la pantalla divida o la escena donde se muestra encima de cada jugador lo que acaba de ganar.

Aunque dure un poco más de dos horas, la película tiene un ritmo increíble que nos impide mirar el reloj ni de reojo.

Si nos ponemos a analizar la trama, seguramente nos demos cuenta que parece un colador lleno de hoyos argumentales, pero, ¿a quién le importa?

Esta es la clase de cine al que se va a pasar un buen rato y a disfrutar sin pensar demasiado.

Saturday, July 21, 2007

Transformers - Cine de Evasión Done Right

Viniendo del hackteur que es Michael Bay, me sorprende que haya sido capaz de crear una película tan entretenida y consistentemente graciosa [intencionalmente graciosa, a diferencia de Pearl Harbor], al tiempo de hacerle justicia al espíritu de los dibujos animados originales con los que crecimos la generación de los 80. Puede que no sea mucho decir, pero este es definitivamente el mejor trabajo de su infame carrera.

Pero claro, comparte con todas sus demás películas algunos problemas que parece que vienen de fábrica con su estilo, y que ya hay que aceptarlos como un hecho cuando se ve algún trabajo suyo:

Los diálogos por momentos insufribles, con frasecitas tan fabricadas ["No sacrifice, NO VICTORY!"] que el expectador SABE que en algún momento uno de los personajes encontrará el momento oportuno para repetirlas, con la correspondiente música solemne de fondo, por supuesto. De igual forma, sus cortes rápidos y sus repetidas tomas "dramáticas" de 180 grados a uno de los personajes para resaltar su tensión. Cuando iba por la cuarta, dejé de contar.

Pero sin duda, el problema principal de la película es que los últimos 20 son tan intensos y, como en la mayoría de las películas be Bay, la edición es tan rápida, que el expectador por momentos se pierde y no sabe quién pelea contra quién, quién se murió, quiénes son los buenos y quiénes los malos y qué carajo es que hay que hacer con el bendito cubo.

Los aspectos técnicos son de primera categoría, comenzando con los efectos especiales, que son probablemente los mejores que se han hecho desde que usar CGI se hizo una regla. La forma en que los Transformers interactúan con los humanos y la manera en que encajan seamlessly con los elementos reales es verdaderamente impresionante. Cuando escuchamos esos efectos de sonido tan familiares durante los créditos, o la primera vez que vemos a Optimus Prime y escuchamos la clásica voz de Peter Cullen, nos sentimos como si tuvieramos 8 años nuevamente.

Shia LeBouf, el Breakout Star of the Year, carga con la película en sus hombros demostrando que tiene mucho que dar y entendemos qué vio en él Steven Spielberg para escogerlo como el hijo de Indiana Jones en la próxima película de esa saga a estrenarse el año próximo. Todos los demás están bien, a excepción de Jon Voight haciendo el peor acento sureño que he escuchado en mucho tiempo. Coincidencialmente, la bellísima Megan Fox [el obligario romantic interest del héroe por accidente] parece un clon con 10 años menos de su hija Angelina Jolie.

Como se demostró con Pirates of the Caribbean [la primera solamente, que quede claro], basada en un simple ride de Disney World, es posible crear una buena película alreador de un concepto básico, tomando esos elementos básicos y expandiéndolos para crear un historia que dentro de su propia inverosimilidad es verosímil, con sus propias reglas y un universo bien definido.

Por encima de cualquier problema, Transformers es cine de evasión bien hecho. A pesar de sus limitantes, Michael Bay logra crear un producto -porque dejemonos de pendejadas, esto es ante todo un producto de consumo, como una mano de plátanos ó un carro de General Motors de los tantos que vemos en la película- que cumple su objetivo de entretener sin dejar a la audiencia sintiédose engañada. Con 15 ó 20 minutos menos de duración hubiera sido mejor todavía.

Wednesday, July 18, 2007

Knocked Up [Judd Apatow, 2007]

Excepto para los seguidores de la serie Freaks & Geeks [que duró menos de una temporada y que con los años se ha convertido en objeto de culto] el nombre Judd Apatow puede que no diga mucho.

Después de varios proyectos de bajo perfil, su nombre se puso nuevamente en el tapete después de escribir, producir y dirigir la exitosísima The 40 Year Old Virgin, una de las mejores comedias de los últimos años.

Muchos lo han comparado con Preston Sturges, uno de los maestros de la comedia norteamericana, por su estilo de hacer humor sobre lo cotidiano, de situaciones del día a día y la forma en que nos afectan. Las similitudes terminan ahí.

Ahora regresa con esta, la comedia “adulta” mejor escrita e inteligente que he visto en mucho tiempo.

Luego de un one night stand, Alison [la bellísima Katherine Heigl de Grey’s Anatomy] queda embarazada. El problema es que el mejor momento de su carrera trabajando como entrevistadora en la cadena E! Entertainment está por empezar, vive de arrimada con su hermana neurótica y el padre del hijo es un stoner [apropiadamente llamado Ben Stone], cuyo único trabajo es contribuir para una página de Internet propiedad su grupo de amigos stoners, haciendo listas de películas donde salen estrellas famosas desnudas. El momento exacto en el que salen sin ropa incluído para ir directo a lo interesante.

Al principio uno puede preguntarse qué haría una mujer emprendedora como Alison con un fracasado como Ben, pero la química que surge desde el principio entre los dos personajes y los dos actores responde la pregunta.

El cambio de Ben, de vago sin oficio a futuro padre responsable, al igual que la forma en que evoluciona la relación de ambos, luchando por estar juntos y por que la relación funcione, está sumamente bien llevada. No hay un sólo momento que se sienta falso o manipulado.

Y aunque esté llevada de forma seria, hay que recordar que esto es ante todo una comedia, y las situaciones cómicas son para reir con ganas.

El elenco de secundarios es insuperable, comenzando con Leslie Mann, esposa del director en la vida real, haciendo de la hermana de Alison que se niega a aceptar que ya no es una jovencita y que tiene la boca más sucia que usted se pueda imaginar. Luego está el excelente grupo de stoners amigos de Ben, y Paul Rudd, actor ya fijo en las películas de Apatow, quien junto a la hermana de Alison representan una especie de visión del futuro de en lo que podrían convertirse Alison y Ben si sólo están juntos por obligación.

Pero sin duda, aquí la estrella es el guión.

Detrás de todas las referencias frescas de pop culture y el humor profano, al igual que en The 40 Year Old Virgin, hay una franqueza y honestidad en los personajes que no se ve mucho en este género, y un buen mensaje sobre la convivencia en pareja y los problemas y frustraciones que resultan de ella.

Excelente película que no podría recomendar más. No se la pierdan cuando llegue a los cines.

Tuesday, July 17, 2007

Animadas

Y sigo con la animación.

Esta lista viene fruto de la colaboración con un nuevo amigo luego de una mini-sesión de brainstorming.

Al momento de hacer listas, a veces peco de ser muy cerebral y dejo de lado las cosas que realmente disfruto por otras que son más importantes históricamente.

Ahora no.

Estas son las 10 películas animadas que José Luis y yo más disfrutamos.

Aquí las cinco mías [en orden cronológico]:

Esta es la célula madre de la animación. Una aventura de más de 4 años de trabajo de Walt Disney y su equipo para crear la primera película totalmente animada.

Este año cumple su 70 aniversario y todavía sigue impresionando tanto por su extraordinaria calidad narrativa como por sus aspectos visuales.

El mayor don de Walt Disney, aparte de sus grandes habilidades técnicas, era la capacidad de contar una historia, haciéndola nueva, aún cuando esta fuera de más conocida.

Lo único que no me gusta es que con ella comenzó la odiosa tendencia de agregar animalitos como sidekicks de los protagonistas y canciones empalagosas.



Esta estoy casi seguro que fue la primera película animada que ví en mi vida, y me causó una impresión que al día de hoy perdura.

Es la segunda película animada de Walt Disney. Increíble que a sólo un par de años de Blanca Nieves las técnicas de animación de Disney pudieran avanzar de tal manera. Nuevamente, la excelencia visual va a acompañada de un gran mensaje. Pinocho sólo podrá convertirse en un niño real si logra superar su debilidad de decir mentiras y afrontar con valentía todos los obstáculos que se le presenten, malas compañías incluídas.

El tema principal, When You Wish Upon a Star es considerado por muchos como uno de los mejores de la historia del cine y su importancia es tal, que Disney lo utiliza como el tema que acompaña la presentación de su logo clásico al inicio de sus películas.


La primera película de largometraje creada totalmente por computadora. La historia de la animación se divide en antes y después de Toy Story.

Las novedosas imágenes son sólo superadas por un guión y una historia inteligente, con temas adultos con los que grandes y chicos se pueden identificar. Esta en particular es una caraterística presente en toda la obra de Pixar hasta el día de hoy y lo que la distingue de otras casas de animación.

La segunda creo que supera a la original tanto en la calidad de la animación como en la exploración de sus temas, pero la sensación de novedad y de descubrir algo nuevo por primera vez, además de su importancia histórica, creo que hacen de ésta una película importante.


En mi opinión, la obra cumbre de Pixar y de la animación moderna.

El triunfo de esta película radica no sólo en la recreación del mundo marino en todos sus detalles y colores de forma tan espectacular, sino que como Pixar ha demostrado una y otra vez, el universo de personajes que habitan ese mundo son tan o más importante que los visuales. La sinergia entre historia, visuales y el talento de voces colocan a Pixar en una dimensión aparte de otras compañías de animación.

Pura imaginación visual puesta en pantalla, humor inteligente y un hermoso mensaje sobre la confianza y el respeto, la importancia de la familia y la amistad, la hacen en mi opinión la mejor película familiar que he visto.


Tal vez sea un poco apresurado ponerla en esta lista, pero la impresión que me deja es que ya se ganó su puesto junto a los clásicos. Un clásico instantáneo.

No tengo mucho que agregar a lo que ya dije anteriormente, pero una de las cosas que más me gusta de esta película es el Joie de vivre que hay en cada personaje, en cada escena. Brad Bird supo capturar la alegría que causa hacer lo que más se disfruta. Remy cambia la vida de Linguini, de Colette, de Anton Ego y de todos los demás por el simple hecho de que disfruta tanto lo que hace, que lucha contra todas las adversidades [su condición de ratón la mayor de ellas] para hacerlo, ¿Qué inspiración mayor que esa?


Para ver las 5 restantes, diríjanse aquí: Cuando El Arte Ataque.

Gracias, JLO! Ojalá esta sea la primera colaboración de muchas.

Monday, July 16, 2007

Fantasías Animadas del Mundo Presenta...

Después de ver Ratatouille, creo que estoy viendo los trabajos de animación de otra manera.

Lo que para nada quiere decir que antes no los apreciara, todo lo contrario, pero ahora no deja de sorprenderme la dedicación y esmero que requiere dar vida a un personaje que sólo existe en un papel.

Aunque me encanta Disney, yo al igual que infinidad de carajitos de los 80, crecí viendo en la televisión los cortos animados de la Warner Bros, creados por uno de los más grandes genios de la animación norteamericana: Chuck Jones.

Padre de Bugs Bunny y Elmer, El Pato Lucas, Speedy Gonzalez, y mis favoritos - El Correcaminos y El Coyote. A quién se le puede olvidar esa voz diciendo FANTASÍAS ANIMADAS DEL MUNDO PRESENTA! o después cuando se terminaban ESTE CUENTO SE ACABOOOO.

Gracias a YouTube he redescubierto muchos de estos y ahora voy a compartir con ustedes dos de mis favoritos.

Increíble que existiese una época en que antes de ver una película se pudieran apreciar joyas como estsa en lugar de trailers aburridos o comerciales malos que nos dicen que desde Fajardo hasta Aguadilla, todos lo quieren a la parrilla.

Stop! Look! and Hasten! [1954]:




El que sigue es considerado por muchos animadores [los de Pixar incluídos] como el corto animado más importante e influyente de la historia. Estoy seguro que muchos de ustedes lo han visto infinidad de veces, pero ahora concéntrense en la forma que está contada la historia. Lo que diferenciaba a Chuck Jones de Walt Disney es que Jones era cínico y fatalista, mientras Disney era un idealista incorregible.

Jones, como se observa en los cortos del Coyote y El Correcaminos por ejemplo, disfrutaba de poner a sus personajes en situaciones absurdas, y hacerlos sufrir para hacernos reir.

Steven Spielberg fue tan lejos de llamar al siguiente corto el Citizen Kane del cine de animación.

One Froggy Evening [1955]:



Wednesday, July 11, 2007

1-18-08

El mejor trailer que he visto en AÑOS.Brillante.

 

Más: http://www.1-18-08.com/

Screening Log

Ya vamos casi a mitad de mes y no me puedo quejar de la selección de películas excelentes que he visto hasta ahora. Aquí van las cinco que hasta ahora me han dejado con una impresión más que positiva:

NUNCA había visto a un actor entregarse y exponerse de la forma en que Dirk Bogarde lo hace en su rol de Gustav von Aschenbach.

Raw es la única palabra que lo describe en esta película, tal vez el mejor comentario que se ha hecho sobre la belleza y la forma en que la percibimos y nos afecta, en especial a un artista. El deseo que siente Gustav von Aschenbach por Tadzio va mucho más allá de lo sexual como podría parecer a simple vista. Es el yearning que siente por una época que para el ya terminó, y sólo le queda esperar la muerte. Este tema al parecer es muy del agrado de Visconti , quien ya lo había explorado magistralmente en una de las más grandes películas de la historia - El Gatopardo.

Aparte de lo exitosa que es exponiendo sus temas, la película es de una belleza impresionante. No puede esperarse menos de Luchino Visconti y de una obra que es una oda a la belleza en todas sus formas.

Una de las mejores y más entretenidas vaqueradas que he visto. Mi deseo por esta película comenzó cuando oí a Martin Scorsese recomendarla como una de los mejores westerns de los 50, y su recomendación venía más por el incisivo comentario social que había detrás de las emocionantes escenas de acción.

La película se estrenó en plena casería de brujas de McCarthy, y el director Allan Dwan fue tan lejos de llamar McCarty al villano interpretado por el gran Dan Duryea.

Aquí vemos -en clara alusión a aquella época de la historia norteamericana cuando con sólo ser sospechoso ya se era culpable- como todo el pueblo da la espalda a Dan Ballard [John payne] y cree en las mentiras de McCarty, empujando a Ballard incluso a matar para defender su vida y su honor. Algo muy similar atravesaron los simpatizantes comunistas de Hollywood, a quienes la industria les dio la espalda. Muchos de ellos tuvieron incluso que exiliarse y no pudieron trabajar nunca más dentro del sistema.

Sin duda, una de las cosas que más disfruto del cine es la capacidad que tienen ciertas películas de transportarnos a mundos y situaciones diferentes, que posiblemente conozcamos sólo por libros de historia, y hacerlo de tal forma que al final sentimos como que realmente vivimos lo que vimos en pantalla.

Esta magnífica película de Milos Forman, hecha en su natal Checoslovaquia antes de llegar a EEUU y hacer películas tan reconocidas como One Flew Over The Cuckoo's Nest y obras tan extraordinarias como Amadeus, nos muestra a un pueblo abandonado por el régimen comunista, lleno de muchachas deseosas por que llegue un príncipe de cualquier color y las saque de su atraso. Esta película es ejemplo de cómo el espírito desenfadado del French New Wave logró colarse a un país en ese momento tan cerrado.

No se me va a olvidar la escena donde [para poner en contexto lo militarizado que se encuentra el país y de cómo se racionaliza absolutamente todo, no solamente la comida o la ropa] un General informa a sus soldados que al llegar a un pueblo donde el gobierno patrocina un baile para la juventud habrán 16 mujeres por cada hombre.

Una de las primeras películas de Fellini y una de las mejores.

Aunque Fellini es más reconocido por su estilo [por decirle de alguna forma] esotérico que algunos consideran difícil de ver [como dije en el log anterior cuando me referí a Amarcord], esta es tal vez su película más normal.

La nostalgia de pueblo es uno de sus temas favoritos, y esta película puede que sea una especie de ensayo para lo que luego haría en Amarcord.

Se nota la influencia que esta película ha tenido en Scorsese, principalmente en Mean Streets y Goodfellas, donde vemos la forma en que interactúan un grupo de amigos que crecen juntos y comparten sus vivencias.

Algunos la consideran hasta biográfica y que el personaje de Moraldo está inspirado en el mismo Fellini - el único de los muchachos que logró abandonar el pueblo y hacer algo trascendente con su vida.

Usted podrá pensar lo que le dé la gana sobre Mel Gibson como persona, pero el hecho de que el tipo sabe hacer cine nadie debe discutirlo.

A pesar de lo que digan los historiadores, la atención al detalle de esta película es impresionante. Esto es cine, no una clase de historia.

Increíble como Mel Gibson pudo hacer una película de acción [!!] de un tema como este.

Eso sí, como todas las películas suyas, tiene un par de problemas que yo adjudico a las creencias del mismo Gibson: el protagonista debe SUFRIR!!! para hallar su redención [fruto de su fe religiosa ultraconservadora] y los villanos son caricaturas a los que sólo le falta decir ÑACA ÑACA cada vez que hacen algo malo.

Aunque se le tilde de efectista y cronológicamente incorrecta, la escena donde oportunamente aparecen los colonizadores en sus carabelas a conquistar el nuevo mundo es mi escena favorita.


Monday, July 9, 2007

De Ratón a Ratón

A propósito de la grandeza de los trabajos de Pixar y de la genialidad del padre de la animación, Walt Disney, dando vueltas por YouTube me encontré con dos joyas.



Estos son los dos primeros cortos animados de Mickey Mouse, y resulta increíble observar el salto que ha dado la tecnología desde 1928 al día de hoy viendo la diferencia entre Remy y Mickey Mouse.

Una cosa es cierte, todos los adeltantos tecnológicos nunca van a sustituir el elemento principal - una buena historia que contar.

Steamboat Willie [1928]:

Plane Crazy [1928]:

Thursday, July 5, 2007

Rat.a.too.ee - Un Plato Exquisito

"In many ways, the work of a critic is easy. We risk very little yet enjoy a position over those who offer up their work and their selves to our judgment. We thrive on negative criticism, which is fun to write and to read. But the bitter truth we critics must face is that, in the grand scheme of things, the average piece of junk is more meaningful than our criticism designating it so. But there are times when a critic truly risks something, and that is in the discovery and defense of the new." - Anton Ego.

Pixar no deja de impresionarme.

No creo que exista otra compañía tan consistente con el nivel de excelencia de su trabajo.

Se decía que esa racha de perfección no podía durar tanto, y muchos consideran [yo incluído] que el año pasado con Cars no estuvieron a la altura de sus trabajos anteriores. Ahora con esta película se comprueba de nuevo que un error lo comete hasta el mejor.

Una de las cosas que más me gustan de Pixar es la atención que ponen a crear y contar buenas historias. Pero una buena historia no basta, y los genios de Pixar lo saben. La forma en que se cuenta es tan o más importante aún.

Walt Disney, quizás el artista popular más importante e infuyente del siglo XX, decía que por cada sonrisa debe haber una lágrima. Hallar ese perfecto balance entre la comicidad y la seriedad ha sido una de las recetas del éxito de Pixar.

Utilizando esta fórmula, Ratatouille es una celebración del arte - uno de los mejores retratos sobre el arte y su proceso de creación que se hayan hecho en el cine.

El talento y la excelencia se pueden encontrar en cualquier lugar, incluso una rata. Como decía el chef Gusteau, "anyone can cook." Hasta el más sencillo de los platos, un "guiso de campesinos" como uno de los chefs se refiere a la famosa salsa Ratatouille, puede ser la mayor de las obras de arte.

Remy es un artista hasta en su caminar. Se niega a caminar en 4 patas como cualquier rata e insiste en lavarse las manos antes de tocar cualquier alimento.

Como dice uno de mis críticos favoritos, A.O. Scott del The New York Times, como The Incredibles y The Iron Giant del mismo director Brad Bird, Ratatouille "celebra la apasionada, y a veces agresiva búsqueda de la excelencia."

El elenco de voces no puede ser mejor, pero hay que resaltar el trabajo de la leyenda viviente Peter O'Toole, interpretando crítico Anton Ego. Al igual que los demás personajes, la vida de Ego es transformada por Remy. Los años lo han vuelto cínico y amargado, y le han hecho olvidar que se inició como crítico porque ante todo amaba la comida. Un ratón le han hecho redescubrir esa chispa que despertaban en él los sabores.

Visualmente es a lo que Pixar nos tiene acostumbrados - una atención al detalle meticulosa, y a esto se suma una labor fotográfica pasmante, tanto por el ágil movimiento de la cámara mientras seguimos a Remy por las alcantarillas, rincones de la ciudad, saltando de un bote a otro en el Sena y sus aventuras dentro de la cocina, como por la belleza de la ciudad de París, que no puedo recordar otra película en la que se haya visto tan hermosa.

Los que somos amantes del cine debemos sentirnos afortunados de que estamos siendo testigos de una nueva era dorada de la animación.

Walt Disney, dondequiera que esté, debe sentirse satisfecho. Su legado no pudo haber quedado en mejores manos.

Hace mucho que no salía de una sala de cine con una sonrisa de satisfacción tan grande. Me quito nuevamente el sombrero ante Pixar.

¡Disfrútenla!

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