Saturday, March 29, 2008

Las 10 del 2007

Continuando la entrada anterior, son pocas las tareas que se me hacen tan difíciles como rankear películas. Dentro de tanta excelencia, ¿cómo se determina que una es mejor que otra?

Arbitrariamente, en la mayoría de los casos.

No presten atención a los números y sí a que esto es, según el que suscribe, lo mejor que el cine tuvo que ofrecer en el 2007:

 

10. Black Book

|Zwartboek|

[Paul Verhoeven]

Black Book

Paul Verhoeven es uno de esos nombres que viven en la infamia.

Es un individuo al que le fascina mostrar la sexualidad de sus personajes de forma explotativa, kinky, para llamar la atención. Muchos consideran que la forma en que lo hace es de mal gusto y para alimentar algún fetiche personal. Sólo hay que ver su obra maestra Showgirls, el camp classic absoluto de los últimos 20 años.

Después de salir frustrado de Hollywood donde ya sólo hacía trabajos por encargo y alejados de su visión, volvió a su Holanda natal y a sus raíces como artista.

Con varios puntos en común con Lust, Caution, Black Book es un thriller ambientado durante la ocupación Nazi en Holanda, en el que una cantante judía ayuda a la resistencia seduciendo a un importante oficial del SS.

Lo que la diferencia de otras películas ambientadas en la época es que su director sencillamente no puede dejar de lado sus fetichismos, y esos momentos donde se asoma el Verhoeven kinky de Showgirls hacen de la película una delicia. Esos toques tan inesperados en una historia tan seria son lo que la elevan de ser otra película del montón sobre el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial.

Aparte de observar a un Verhoeven inspirado, la verdadera revelación de esta película es la bellísima Carice Von Hauten, en una de mis actuaciones favoritas del año. Con su sensualidad y entrega total al personaje, se transforma en una Mata Hari que por su magnetismo y presencia recuerda a las verdaderas estrellas de antaño como Marlene Dietrich.

Esperen grandes cosas de ella en el futuro.

 

9. The Diving Bell and the Butterfly

|Le Scaphandre et Le Papillon|

[Julian Schnabel]

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Al igual que otra película de la lista que aparece más adelante, Le Scaphandre et Le Papillon es un testimonio sobre la necesidad inexorable de crear que poseen algunos individuos, y que por esa necesidad ninguna barrera es infranqueable.

Una historia humanista como pocas, lo que pudo ser manipulador y endulcorado es inspirador y reafirmante de fé en la vida.

 

8. Into The Wild

[Sean Penn]

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La relación Dios-Hombre-Naturaleza es una que ha fascinado a mentes tan brillantes como Descartes y Emmanuel Kant.

Igualmente a un joven llamado Christopher McCandless, quien aparentemente tenía todo para ser felíz, pero que deseaba también encontrar la respuesta a esta eterna cuestionante de la conexión entre el hombre y su medio.

¿Quién no ha soñado alguna vez con dejarlo todo atrás y desaparecer por completo?

Su decepción con la sociedad, sus padres, pero sobretodo su inmadurez, lo llevaron a regalar todas sus posesiones materiales, abandonar todo y convertirse en un drifter, recorriendo todo Estados Unidos hasta llegar a Alaska, lugar donde pretendía permanecer por un mes y tal vez encontrar respuestas a todas sus preguntas.

Influenciado también por el cine reflexivo y preciosista de Terrence Malick, entre imágenes bellísimas del corazón de Estados Unidos y una atmósfera absorvente, Sean Penn logra la difícil tarea de hacer que como espectadores conectemos con un tipo inmaduro, que se cree la víctima de una enorme tragedia y se coloca como una especie de mesías que toca la vida de todos los que le conocen sin proponérselo.

A primera vista pensaba imposible empatizar con un muchachito rico malcriado, que en lugar de enfrentar sus problemas como todos hacemos, simplemente decide escapar en un "viaje de descubrimiento", pero al final me sentí conmovido e identificado con Chris y su búsqueda, su determinación de encontrar el significado de su vida.

 

7. Before The Devil Knows You're Dead

[Sidney Lumet]

Before The Devil

Uno de los directores emblemáticos de la segunda era dorada del cine norteamericano, autor de obras seminales de la época como Network y Dog Day Afternoon, Sidney Lumet regresa de manera triunfal a sus 83 años demostrando que el talento verdadero no caduca.

Utilizando una estructura fragmentada, Lumet transforma lo que parece una simple historia sobre un robo fallido en una auténtica tragedia Griega.

Ambición, traiciones, hermanos enfrentados, una figura paterna draconiana y personajes que cometen un error tras otro hasta convertirse en víctimas de sus propios actos. Nadie sale librado en este tipo de historias.

El trio de actuaciones de Phillip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y el veterano Albert Finney es insuperable.

 

6. Ratatouille

[Brad Bird]

Ratatouille

Al igual que Jean Dominique Bauby en Le Scaphandre et Le Papillon, la rata Remy es un artista cuyo deseo de crear no puede ser refrenado.

En su caso, su condición de rata hace que su deseo de cocinar parezca imposible, pero la idea que Brad Bird ha expuesto tanto en The Iron Giant como en The Incredibles es que la búsqueda de la excelencia es una que conlleva muchos sacrificios, primero superando barreras personales, y segundo, porque la sociedad intolerante y estandarizadora de hoy siempre buscará la forma de destruir o marginalizar a los los individuos excepcionales que no encajen en sus cánones establecidos.

Ratatouille resulta uno de los mejores y más complejos retratos de un artista que se hayan hecho en el cine.

 

5. No Country For Old Men

[Joel Coen, Ethan Coen]

No Country

La tesis propuesta primero por el autor Cormac McCarthy en su novela y luego por Ethan y Joel Coen en su película es una que ya se ha hecho y rehecho cantidad de veces. Podría reducirse al dicho de que "Cualquier tiempo pasado fue mejor", pero es un tema con una vigencia eterna.

Por el momento que atraviesa la sociedad actual, donde hasta los criminales con cierto código de honor ya no existen, la vida cada día tiene menos valor, y la deshumanización comienza cada vez más temprano, definitivamente que ya no hay lugar para hombres viejos.

Dos anécdotas paralelas, con una que termina inesperadamente luego de que el espectador tiene tanto invertido en ella, sirve para reafirmar la teoría de McCarthy y los Coen de que en el contexto mundial, una historia individual de violencia no tiene importancia alguna frente a la omnipresencia del mal, representada por Anton Chigurh.

"You can't stop what's coming", dice uno de los personajes.

 

4. There Will Be Blood

[Paul Thomas Anderson]

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Los pilares sobre los que reposan nuestras sociedades son definitivamente el capitalismo y la fé.

Partiendo de esta idea, en There Will Be Blood estas dos fuerzas están representadas por dos hombres que no se detendrán ante nada en su ambición de poder.

Homenajeando desde a 2001: Odisea del Espacio y Citizen Kane, Paul Thomas Anderson se consagra como autor y crea una de las obras definitivas del cine del nuevo siglo.

 

3. Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

[Tim Burton]

Sweeney

En la escena en la que Sweeney Todd revela al Juez Turpin que él es en realidad Benjamin Barker, el hombre al que encarceló injustamente, el Juez exclama entusiasmado una frase que se quedó en mi mente: “How seldom it is one meets a fellow spirit!”, refiriéndose a la gran afinidad que cree existe entre ambos.

Que raro también que exista un maridaje tan perfecto entre un director y un material pre-existente. Más aún cuando se observan las desastrosas adaptaciones de The Phantom of the Opera y The Producers, culpa en parte de querer hacer traducciones literales del escenario a la pantalla y de directores sin visión de cine.

Burton entiende el material y usa sus sensibilidades artísticas para hacer estallar la pantalla de sangre y fatalismo. El sentimiento de misantropía y desesperanza presente en el Londres creado por Stephen Sondheim es utilizado por Burton para mostrar una realidad decadente en la que la justicia y el orden no existen, sólo la venganza por mano propia, y que incluso ésta termina destruyendo al que es consumido por ella y a todos los que le rodean, hasta sus seres queridos.

 

2. Atonement

[Joe Wright]

Atonement

Como cine, Atonement es una película exquisita, majestuosa en todos los sentidos. Como adaptación literaria, una de las mejores que se hayan llevado al cine. Es puro cine, pero el espíritu de la novela de Ian McEwan permanece intacto.

Tanto en la página impresa como en la pantalla, Briony Tallis es una prueba del poder infinito que poseen los que cuentan historias. De igual forma, la capacidad del cine y de la imagen en movimiento de lograr el make believe, de convencernos de que algo es real, es inigualable.

Tal vez me identifico tanto con esta historia, porque al igual que Joe Wright, Ian McEwan y la misma Briony Tallis, no concibo la vida sin la existencia de la ficción.

Briony

Tal vez sea muy pronto para decirlo, pero creo que el personaje de Briony Tallis en sus tres etapas es uno de los más complejos y fascinantes que he visto en película alguna.

Finalmente, la mejor película del 2007 es...

 

4 Months, 3 Weeks & 2 Days

|4 luni, 3 saptamâni si 2 zile|

[Cristian Mungiu]

4 Months, 3 Weeks, 2 Days

Bucharest, 1987.

Las postrimerías del régimen de Nicolae Ceauşescu.

Una joven estudiante con 4 meses, 3 semanas y 2 días de embarazo busca hacerse un aborto clandestino.

Con el estilo pseudo-documental del escritor/director Cristian Mungiu, similar al de los Hermanos Dardenne y su magnífica L'Enfant, el resultado es una de las películas más vicerales, auténticas y desgarradoras que he visto no en el 2007, en toda mi vida viendo cine.

Llena de alegoría religiosa y política, actuaciones magistrales como la de su protagonista Anamaria Marinca y un sentido de urgencia en cada momento.

Si el renacer del llamado Nuevo Cine Rumano quedó claro el pasado año con The Death of Mr. Lazarezcu, que a nadie le quepa duda que luego de 4 Months, 3 Weeks & Days es un movimiento al que hay que observar con atención.

 

Las Menciones Honorables:

Persepolis

[Vincent Paronnaud/Marjane Satrapi]

Persepolis

Los dibujos animados transgresores que con humor y sensibilidad retratan una realidad a veces ignorada por el mundo de occidente.

 

No End in Sight/Taxi to the Dark Side

[Charles Ferguson/Alex Gibney]

Taxi

Las obras importantes que demuestran que el cine de documental no ha quedado reducido al efectismo a veces manipulador de Michael Moore.

 

Rescue Dawn

[Werner Herzog]

Rescue Dawn

La historia con la que uno de los autores más emblemáticos del mundo cinematográfico decide entrar al cine comercial y lo logra.

 

Grindhouse

[Robert Rodríguez/Quentin Tarantino]

Grindhouse

El experimento fracasado al que con el tiempo se le valorará en su justa dimensión.

 

Knocked Up

[Judd Appatow]

Knocked Up

El renacer de la comedia norteamericana de la mano de Judd Appatow y su troupé de colaboradores. Este señor, que salvando las distancias es una especie de nuevo Preston Sturges, es son lo mejor que le ha sucedido a la comedia actual.

 

Lo Más Destacado:

Mejor Actor

Daniel Day-Lewis - There Will Be Blood

 

Mejor Actríz

Anamaria Marinca - 4 Months, 3 Weeks & 2 Days

 

Mejor Actor Secundario

Phillip Seymour Hoffman/Ethan Hawke/Albert Finney - Before The Devil Knows You're Dead

 

Mejor Actríz Secundaria

Saoirse Ronan/Romola Garai/Vanessa Redgrave - Atonement

 

Mejor Director

Joe Wright - Atonement

 

Mejor Guión Original

Cristian Mungiu - 4 Months, 3 Weeks & 2 Days

 

Mejor Guión Adaptado

Christopher Hampton - Atonement

Novela Original por Ian McEwan

 

Mejor Cinematografía

Roger Deakins - The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

 

Mejor Vestuario

Colleen Atwood - Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

 

Mejor Dirección Artística

Dante Ferretti - Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

 

Mejor Música

Dario Marianelli - Atonement

Wednesday, March 26, 2008

Una Mirada al 2007

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Su tuviera que describir lo mejor del cine del 2007 en una palabra, humano sería la más apropiada.

Sentimientos tan básicos del ser humano como la ambición, el egoísmo y el deseo de venganza son el leitmotif de esta lista, y sus protagonistas son caracteres fallidos resultado de errores propios o circunstancias fuera de su control fruto de estas emociones.

Fue un año de una calidad como no se veía en mucho tiempo, y la prueba es que se me hizo imposible elegir sólo 10 películas. Un top 10 ahora es un top 15, y en adición 5 menciones honorables:

 

15. Lust, Caution |Se, Jie|

[Ang Lee]

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Tras el éxito mundial de Brokeback Mountain, Ang Lee regresa a su natal China y se transporta a una de las épocas clave de su historia reciente.

A primera impresión, el tema sobre un grupo de jóvenes subversivos durante la ocupación Japonesa en China y la controversia sobre las escenas de sexo, nos harían pensar que estamos frente a una película sobre espionaje o un thriller erótico, pero sería tonto pensar que un director como Ang Lee se limitaría a hacer una simple película de género. Directores como él buscan hurgar más profundo en las conciencias de sus personajes.

Una mujer abandonada, usada por su familia y vista por sus compañeros como un instrumento, gana su independencia y descubre su verdadero poder dando rienda suelta a su lujuria, usándola como su mejor arma, lo que termina convirtiéndose en un juego peligroso.

Las escenas de sexo explícito que algunos ven como gratuitas son absolutamente esenciales. Es el único momento en que dos personajes que se ocultan bajo falsas realidades se despojan de sus máscaras y se exponen tal como son. No hay represiones ni apariencias que mantener.

La actuación de la debutante Tang Wei es una de las mejores del año.

 

14. Margot at the Wedding

[Noah Baumbach]

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Noah Baumbach es una de las voces más auténticas del cine actual.

Cuando se hace cine tan personal como el suyo, es inevitable que parte de su vida quede reflejada en su trabajo, pero parace ser que para este director-escritor sus experiencias personales son su mayor fuente de inspiración. Sus historias familiares guardan muchas similtudes con las de Wes Anderson [con el que ha colaborado en el pasado], pero las suyas carecen de ese estilo whimsical tan de Anderson.

Luego de su brillante The Squid and The Whale, Baumbach regresa con otra familia disfuncional, otra historia semi-autográfica llena de personajes neuróticos sacados de una película de Woody Allen.

Y la sensación de creer estar viendo una película hecha por Allen no se queda sólo en las carácterísticas de los personajes. Presentes están también las pinceladas de humor negro y la observación casi clínica de la burguesía Newyorkina del Woody Allen de los 70.

En una historia llena de personajes despreciables, donde no se sabe quién es más egoísta, neurótico o inestable, la Margot de Nicole Kidman brilla como el peor de todos, una mujer destructiva que resulta en una de las mejores interpretaciones de su carrera.

Tiene uno de mis finales favoritos del año.

 

13. Eastern Promises

[David Cronenberg]

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Como lo deja claro en su película anterior, la brillante A History of Violence, la naturaleza de la violencia y la forma tan arraigada en que se encuentra en la sociedad de hoy es uno de los temas favoritos de David Cronenberg.

En esta ocasión el escenario no es un apacible pueblo de Estados Unidos, sino el bajo mundo Londinense y las operaciones de la mafia Rusa.

Al igual que en A History of Violence, el final, donde aparentemente existe la posibilidad de que una nueva vida borre los horrores anteriores, nos deja claro que la violencia es un círculo que no puede romperse.

El mensaje de Cronenberg no es totalmente nihilista. Debajo de las imágenes de violencia brutal y la exposición de la miseria humana en todas sus formas hay un gran humanismo.

Viggo Mortensen extraordinario y sin miedo a nada.

 

12. The Bourne Ultimatum

[Paul Greengrass]

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El blockbuster inteligente. No se puede esperar menos de Paul Greengrass.

Greengrass entiende que en el mundo de hoy la información es más poderosa que una metralleta, pero eso no significa que sea económico con las escenas de acción, algunas de ellas de las mejores que se hayan visto en cualquier película de acción.

Se habla de una cuarta entrega, y viendo el camino por el que director y estrella han llevado al personaje, no puedo esperar para verla.

 

11. The Assassination of Jesse James

by the Coward Robert Ford

[Andrew Dominik]

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La influencia del cine meditativo y preciosista de Terrence Malick se observó el año pasado en la magnífica Marie Antoinette de Sophia Coppola. Este año el turno es del australiano Andrew Dominik y su The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford.

Hace un año hablaba de una de mis películas favoritas de John Ford/John Wayne, en la que desmitifican al héroe norteamericano, el Cowboy, y de paso hacen un interesante comentario sobre la forma en que las sociedades crean figuras partiendo de percepciones erradas.

En esta película, Dominik hace lo mismo con la mítica figura del infame bandido Jesse James, y a su alrededor crea una atmósfera casi onírica llena de imágenes de una belleza pasmante.  El oeste americano siempre ha estado envueto en un aura de misticismo, pero nunca como en esta película.

Algunos pueden asustarse por su duración, casi tan larga como su título, pero es una de las experiencias cinematográficas más recompensantes que he tenido en mucho tiempo.

 

El Top 10 mañana.

Sunday, March 23, 2008

Centenario de una Estrella

Joan

Hoy se cumplen 100 años del nacimiento de una de las más grandes estrellas de la historia de la imágen en movimiento - Joan Crawford.

Al igual que sus contemporáneas, como su eterna rival Bette Davis, Crawford fue fruto del studio system. De un origen sumamente humilde, comenzando como una simple corista, Hollywood la pulió hasta convertirla en la estrella más brillante de la Metro Goldwyn Mayer, en el momento en que se decía que en la MGM habían más estrellas que en el mismo firmamento.

En una época en que la estelaridad era más importante que el histrionismo y el público pagaba por ver a sus estrellas favoritas siendo ellas mismas, Crawford se desempeñaba con la misma facilidad igual siendo una mujer fácil [The Women], fatal [The Damned Don't Cry] o una madre abnegada, y fue precisamente haciendo de madre abnegada que alcanzó la cima de su carrera en Mildred Pierce, o El Suplicio de una Madre, papel con el que coniguió el Oscar y la inmortalidad en la pantalla.

Mildred Pierce

El paso del tiempo y la desaparición del studio system sumieron a Hollywood en una época de decadencia, donde ya las figuras como Crawford no llamaban la atención, lo que la llevó a realizar una serie de películas clase B, la mayoría de ellas donde lucía grotesca y destruída como Trog y Strait-Jacket, que ahora son consideradas camp classics.

Johnny Guitar

Entre películas de calidad cuestionable, hizo dos de sus mayorea obras, Johnny Guitar del maestro Nicholas Ray, película arquetípica y transgresora del oeste en que los roles se revierten y las mujeres son las figuras de poder, y la que es quizás su película más popular, Whatever Happened to Baby Jane? de Robert Aldrich en la que comparte con su odiada Bette Davis.

Baby Jane

La rivalidad entre ambas es la más legendaria de todas las que han existido en Hollywood. Uno de los intercambios más famosos entre ellas fue en el que Bette Davis decía que a excepción de Lassie, Joan se había acostado con todas las estrellas de MGM. Y estaba en lo cierto, la lista de amantes de Joan iba desde la misma Greta Garbo, hasta Clark Gable.

Possessed

Lamentablemente, su legado ha quedado parcialmente empañado por Mommie Deartest, las infames memorias escritas por su hija adoptiva Christina, donde retrata a Crawford como un monstruo controlador que abusaba de ella y sus hermanos y padecía graves problemas mentales. Aunque hoy goza de una popularidad enorme como camp classic, la adaptación cinematográfica de Mommie Dearest fue un gran fracaso que puso fin a la carrera de Faye Dunaway, quien la misma Crawford había dicho una vez que era la única actriz que podía interpretarla.

A pesar de eso, Joan Crawford es la ultimate movie star, en ella se conjugan todas las cualidades de una diva de la pantalla - no demasiado talento, sólo el necesario; belleza, glamour, y sobre todo una presencia que hacía invisible a quien sea que estuviera a su lado.



Un ícono inmortal.

Joan Collage

Friday, March 21, 2008

Lo Más...

La Mayor Sorpresa

Black Book [Zwartboek]


La Mayor Decepción

Spider-Man 3


El "Instant Classic"

No Country For Old Men/There Will Be Blood


La Escena Memorable

"Epiphany" y "By the Sea" de Sweeney Todd/ "Dunkirk" de Atonement/ "I Drink Your Milkshake!" de There Will be Blood


El Mejor Blockbuster

The Bourne Ultimatum


La Mejor Comedia

Knocked Up


La Más Divertida

Hairspray


La "Overrated"

Juno


Las Importantes

No End in Sight/Taxi to the Dark Side


La Visionaria

Le Scaphandre et Le Papillon


El Regreso Triunfal

Sidney Lumet dirigiendo Before The Devil Knows You're Dead


La ignorada a la que el tiempo le dará su lugar

Into the Wild/Margot at the Wedding/The Darjeeling Limited


La Obra de Autor

The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, Andrew Dominik


La Consagración de un Autor

Tim Burton - Sweeney Todd/Paul Thomas Anderson - There Will Be Blood


El Experimento Fallido

Beowulf


El "Guilty Pleasure"

Shoot 'Em Up


El "Ubiquitous"

Josh Brolin en Grindhouse, In The Valley of Elah, No Country For Old Men y American Gangster


La Revelación

Anamaria Marinca - 4 Months, 3 Weeks & 2 Days/ Carice Van Houten - Black Book/ Tang Wei - Lust, Caution


El "Cult Classic"

Grindhouse


La Definitiva

4 Months, 3 Weeks & 2 Days


La Que Me Falta

Syndromes and a Century - Apichatpong Weerasethakul/ Luz Silenciosa - Carlos Reygadas


Lo Peor de lo Peor

Norbit


El top 10 este lunes.

Tuesday, March 18, 2008

"I promise, I'll come back for you. I promise, I'll never leave you."

English

No puedo decir que Anthony Minghella fuera uno de mis directores favoritos. Su filmografía es muy corta, pero en ella hay aciertos como The Talented Mr. Ripley, e intentos fallidos pero admirables como Cold Mountain.

Pero había algo en él que apreciaba más que su trabajo como realizador – su amor por el cine.

Fungía como director del British Film Institute, y la pasión que sentía por el cine era evidente, sólo bastaba escucharlo hablar de Orson Welles o de David Lean.

Y precisamente su afinidad con el cine épico David Lean lo llevó al mayor triunfo de su carrera, The English Patient.

Aunque lamentablemente ha ganado una reputación de película sobrevalorada y aburrida [gracias en parte a Seinfeld y a Elaine Benes], El Paciente Inglés es una obra arquetípica por su impecable puesta en escena y por el hecho de que es una de las mejores adaptaciones literarias que se hayan llevado al cine.

Al igual que Atonement, una película con la que comparte muchas características e ideas [y en la que el mismo Minghella tiene una aparición especial al final], la manera en que Minghella logra capturar en imágenes algo tan denso y que pesa tanto en una página escrita como la pasión desbordada entre dos personajes , no es tarea fácil. "The heart is an organ of fire", decía el Conde de Almásy.

El resultado es una obra por la que será recordado para siempre.

 

“My darling. I'm waiting for you. How long is the day in the dark? Or a week? The fire is gone, and I'm horribly cold. I really should drag myself outside but then there'd be the sun. I'm afraid I waste the light on the paintings, not writing these words. We die. We die rich with lovers and tribes, tastes we have swallowed, bodies we've entered and swum up like rivers. Fears we've hidden in - like this wretched cave. I want all this marked on my body. Where the real countries are. Not boundaries drawn on maps with the names of powerful men. I know you'll come carry me out to the Palace of Winds. That's what I've wanted: to walk in such a place with you. With friends, on an earth without maps. The lamp has gone out and I'm writing in the darkness.” 

 

Cold Mountain

Afortunados los que cuando se marchan dejan un legado. Eso los hace eternos.

1954-2008

 

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