25 Musicales

¿Que por qué 25? No sé, pero coincidiendo con el estreno este fin de semana en Estados Unidos de la adaptación cinematográfica del cheestastic musical Mamma Mia, la revista Entertainment Weekly publica su lista de los que considera los 25 mejores musicales de la historia del cine:

1. The Wizard of Oz (1939)
2. West Side Story (1961)
3. Singin' in the Rain (1952)
4. Cabaret (1972)
5. Mary Poppins (1964)
6. The Band Wagon (1953)
7. A Hard Day's Night (1964)
8. South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)
9. Meet Me in St. Louis (1944)
10. Love Me Tonight (1932)
11. An American in Paris (1951)
12. Swing Time (1936)
13. On the Town (1949)
14. Grease (1978)
15. Hairspray (2007)
16. A Star Is Born (1954)
17. Chicago (2002)
18. The Busby Berkeley Disc (2006 compilation)
19. The Sound of Music (1965)
20. Funny Girl (1968)
21. Beauty and the Beast (1991)
22. Gigi (1958)
23. The Music Man (1962)
24. Seven Brides for Seven Brothers (1954)
25. Once (2006)

Aunque el musical no es precisamente mi género favorito y pensaba que se me haría imposible hacer una lista de 25, me acabo de dar cuenta que voy a tener que reconsiderar esa primera afirmación, porque estos 25 los reuní en un instante y se quedaron al menos 10 por fuera.

Aquí están mis musicales favoritos [en orden alfabético]:

The Band Wagon [Vicente Minnelli, 1953]

Junto a Stanley Donen, Vicente Minnelli es el director que definió el musical Hollywoodense. Su uso del color y sus composiciones que parecían pinturas que cobraban vida hicieron escuela. Aunque la sobrevalorada An American in Paris es considerada su obra definitiva, The Band Wagon, en gran parte por la incandescente química entre la recientemente fallecida Cyd Charisse y Fred Astaire, es mi favorita.

Cabaret [Bob Fosse, 1972]

Un musical ambientado en la Alemania pre-WWII que retrata con humor ultra-ácido el surgimiento del nazismo. Liza Minelli se convirtió en estrella, y las letras del dúo Kander & Ebb en temas como Maybe this Time o Money no han perdido su vigencia. Mientras escribo esto, en algún país del mundo se monta una nueva representación de esta obra.

Chicago [Rob Marhsall, 2002]

Rob Marshall emula exitosamente a Bob Fosse, desde la energía de sus coreografías hasta sus elecciones visuales, y el resultado es una adaptación impecable y una de las películas más entretenidas de los últimos años. La actuación de Catherine Zeta-Jones en esta película es el vivo ejemplo de ver una actriz deslumbrando y convirtiéndose en estrella. Lástima que no haya hecho nada desde entonces.

Dancer in the Dark [Lars Von Trier, 1999]

El "anti-americano" Lars Von Trier utiliza uno de los géneros que según él glorifican el sueño americano y lo pone de cabeza, con una actuación central de Björk inolvidable como su heroína que debe sufrir lo indecible para demostrar la crueldad del mundo [EEUU] hacia los más débiles [el inmigrante].

Funny Face [Stanley Donen, 1957]

El que tenga duda del carisma y el ángel de Audrey Hepburn sólo debe referirse a este musical, donde acompañada por Fred Astaire dan un nuevo giro a la historia de Pigmalion. La escena donde Audrey baila vestida de negro se ha convertido en una referencia pop-culture tal, que hasta Gap la ha utilizado en la campaña publicitaria de sus skinny jeans.

A Hard Day's Night [Richard Lester, 1964]

Me imagino que ningún otro musical ha podido capturar una época y un fenómeno de manera tan genuina. Como siempre, la marca de un buen musical es la buena música, y es prácticamente imposible encontrar mejor música que Los Beatles.

Hedwig and the Angry Inch [John Cameron Mitchell, 2001]

Dirigida, escrita y adaptada del musical de su propia autoría, John Cameron Mitchell crea un musical que no se parece a ningún otro, retratando la vida de un travesti alemán que se presenta en lugares de poca monta, en los que ahoga su furia por la traición de su protegido. Hay que admirar un musical donde el protagonista se queja de su malograda operación de cambio de sexo de la que le quedó "una pulgada furiosa."

The Hunchback of Notre Dame [Gary Trousdale, 1996]

En estas listas siempre se menciona a La Sirenita o La Bella y la Bestia cuando se trata de incluir musicales animados de la "Nueva Epoca Dorada" de Disney, pero esta película con sus temas oscuros debajo de la hermosa animación creo que es la que mejor representa la sensibilidad de Walt Disney traída al nuevo siglo. El número God Help The Outcasts es de lo mejor que ha hecho Disney en toda su historia

Moulin Rouge! [Baz Luhrmann, 2001]

Algunos se quejan de la historia simplona, pero es imposible rendirse ante la visión entusiasta y colorida de Baz Luhrmann del mundo. Moulin Rouge! representa una celebración de todas las facetas del cine, estallando en la pantalla con energía y visuales deslumbrantes. The greatest thing you'll ever learn is to love and be loved in return!

The Nightmare Before Christmas [Henry Selick, 1993]

La visión macabra de Tim Burton y la música de Danny Elfman [quien también hace la voz cantante de Jack Skellington] alcanzan su mejor maridaje en este pastiche de lo mejor del cine de terror y el expresionismo alemán.

On the Town [Stanley Donen, Gene Kelly, 1949]

Tres marineros buscan a la mujer perfecta en la ciudad. Esta es una de esas películas que parecen haber sido hechas con el propósito expreso de hacerte enamorar de la ciudad de Nueva York. La escena donde Ann Miller baila en el American Museum of Natural History junto a los dinosaurios representa el verdadero espíritu del musical de la MGM, entusiasmo, energía y alegría de vivir.

Les Parapluies de Cherbourg [Jacques Demy, 1964]

Cantada de principio a fin, creo que no existe ninguna otra película que retrate tan fielmente el sentimiento del amor de juventud como esta obra maestra de Jacques Demy. Las melodías no serán tan memorables como otras elecciones de esta lista, pero Demy compensa con algunas de las composiciones visuales más hermosas de musical alguno, incluyendo el luminoso rostro de Catherine Deneuve.

Phantom of the Paradise [Brian DePalma, 1974]

La primera y única incursión de Brian DePalma en el género resultó un estrepitoso fracaso que casi lo lleva a la ruina. Pero como suele suceder con este tipo de cine, con los años su estatura de clásico de culto y sus fanáticos devotos aumentan. DePalma tiene fama de "robar" [no en vano Tarantino es su mayor fanático], y aquí le quita a un poco a Hitchcock, a Touch of Evil, al cine de Dario Argento y al mismo Fantasma de la Opera.

Pink Floyd The Wall [Alan Parker, 1982]

Una de las mejores bandas del mundo en su pináculo de creatividad [y a punto de separse] encargaron a Alan Parker crear este companion piece visual para su album The Wall. Los impactantes visuales sirven de apoyo para algunas de las mejores canciones de la historia del rock, como In The Flesh y Another Brick in the Wall. Dicen que la forma correcta de verla es con una combinación de Acid y LSD, algún día veré si lo trato.

Seven Brides for Seven Brothers [Stanley Donen, 1954]

Para 1954, MGM ya había perfeccionado el prototipo de musical, y Seven Brides for Seven Brothers es uno de los mejores en salir de su maquinaria. La novedad que traía, que luego utilizarían otros musicales como Gigi y My Fair Lady, era el uso del formato CinemaScope, que por representar un lienzo mucho más ancho para Stanley Donen, se esmeró creando las mejores y más complicadas coreografías que se habían visto hasta el momento. La escena del picnic, donde los siete hermanos bailan con las siete mujeres -todos en cuadro al mismo tiempo- al día de hoy sigue impactando. Esta es una de las películas que debe usarse como ejemplo sobre la importancia de ver toda película en su aspect ratio original.

Singin' in the Rain [Stanley Donen, Gene Kelly, 1952]

No sólo representa a la perfección todo lo que debe ser un musical, sino que constituye [junto a La Nuit Américaine] el mejor vistazo del proceso de realización de una película. A todo el que me pregunta sobre cómo se dio el paso del cine mudo al hablado siempre lo dirijo hacia este clásico.

The Sound of Music [Robert Wise, 1965]

Tal vez lo único que necesita un musical para perdurar en la historia son canciones y melodías inolvidables. Aquí es imposible elegir entre tantas. Como cine tiene sus problemas, pero es una de las películas entrañables de nuestra niñez a la que nos resulta casi imposible juzgar objetivamente.

Superstar: The Karen Carpenter Story [Todd Haynes, 1987]

Creo que en toda la historia de la música no existe una voz comparable a la de Karen Carpenter. Increíble que detrás de una voz tan transparente y sincera se escondiera una historia de tanta tristeza y dolor. También es increíble que Todd Haynes pudiera capturar la esencia de Karen y de la música de The Carpenters en un musical hecho con muñecas Barbie [!!]. Quentin Tarantino la llamó hace poco la mejor película de culto que existe, y una prueba fehaciente de que la piratería no es tan mala. Aunque existen numerosas copias bootleg en el mercado, es difícil encontrar la versión integra debido a los problemas legales en los que está envuelta por haber usado la música de The Carpenters sin autorización.

This is Spinal Tap [Rob Reiner, 1984]

Es casi trampa considerarla un musical, pero es una película que me gusta tanto y donde la música es tan importante que no pude dejar de incluírla. Siguiendo los triunfos y fracasos de una banda de rock que nunca existió, este formato de mockumentary dio pie a Christopher Guest para hacer sus pseudo-documentales como Best in Show y Waiting for Guffman.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street [Tim Burton, 2007]

Con Sweeney Todd, el compositor Stephen Sondheim desafió los convencionalismos de Broadway y el West End de Londres creando un musical prácticamente atonal y macabro. Sin ser estrictamente fiel al material, Tim Burton logra crear una de las mejores adaptaciones de musical alguno que haya sido llevado a la pantalla. El espíritu misántropo y pesimista de Sondheim queda intacto, y las imágenes de Burton son difíciles de borrar, especialmente el final.

Sweet Charity [Bob Fosse, 1969]

Bob Fosse es el padre del musical moderno, el Broadway que existe hoy día es fruto de sus esfuerzos, y aunque esta su primera película -basada en el show del mismo nombre que a su vez se basa en La Notti de Cabiria de Fellini- sea su menos celebrada, creo que luego de Cabaret es su trabajo más terminado. Magnífica Shirley McClaine, y los números Big Spender y If My Friends Could See Me Now son tan buenos como cualquiera de Cabaret.

Swing Time [George Stevens,1931] /Top Hat [Mark Sandrich, 1935]

Imposible elegir entre las dos, pero estas representan las dos mejores colaboraciones entre la pareja musical de oro de Fred Astaire y Ginger Rogers. Algunas de sus canciones como Cheek to Cheek y The Way You Look Tonight han trascendido al cine y se han convertido en clásicos de la música popular.

Die 3groschenoper - The Threepenny Opera [G.W. Pabst, 1931]

Stephen Sondheim no fue el primero en dedicar un musical a un asesino en serie. El maestro del expresionismo alemán G.W. Pabst se le adelantó por mucho con este retrato del infame Mack the Knife, que le da nombre a una de las canciones más famosas de la historia de la música moderna, misma que han interpretado desde Frank Sinatra hasta Tony Bennett. Esta joya la descubrí hace poco gracias a la nueva edición que lanzó en DVD The Criterion Collection.

West Side Story [Jerome Robbins, Robert Wise, 1961]

West Side Story tiene el privelegio de contar con Somewhere, que en mi opinión es la mejor canción que se ha compuesto para musical alguno. Aunque algunos la acusan de artificial, de ser una visión romantizada de lo que significaba vivir en los "Saida" de Nueva York en un tiempo donde las relaciones entre blancos e inmigrantes estaban en su punto más crítico, West Side Story sigue siendo uno de los mejores musicales que Hollywood ha hecho.

The Wizard of Oz [Victor Fleming, 1939]

Las palabras sobran.

 

Otros 5 pa que sean 30:

• Meet Me in St. Louis [Vicente Minnelli, 1944]

Minnelli junto a su musa Judy Garland en su carta de amor a la familia norteamericana, a las tradiciones y la vida de pueblo. Have Yourself a Merry Little Christmas es otra canción que se ha convertido en un clásico de la música popular y no hay navidad sin ella.

• New York, New York  [Martin Scorsese, 1977]

Scorsese homenajea a los musicales de MGM con resultados desiguales. No se escucha sino hasta el final de la película, pero el momento en que suenan las primeras notas de New York, New York emociona sobremanera.

• The Rocky Horror Picture Show [Jim Sharman, 1975]

La definición de Cult Classic.

• Torch Song [Charles Walter, 1953]

¡Joan Crawford en Technicolor! Un camp classic donde la Diva en decadencia demuestra que todavía puede.

• Gentlemen Prefer Blondes [Howard Hawks, 1953]

Marlyn Monroe en Diamonds are a Girl's Best Friend crea uno de los momentos más icónicos de la historia del cine.

Batman Arrasa

Cuando algunos apostaban a la cuarta entrega de Indiana Jones o a Hancock, el verdadero fenómeno del verano será The Dark Knight.

Con la mayor plataforma de exhibición en la historia del cine norteamericano [4,366 cines], The Dark Knight ya rompió el record establecido por Star Wars - Episode III: Revenge of the Sith en el 2005, y recaudó $18.5 millones sólo en proyecciones de medianoche. También rompió el record de Spider-Man 3 de mayor recaudación en un sólo día, ganando $67.8 millones ayer viernes, y todo indica que también se convertirá en la película con la mayor recaudación en un fin de semana, con un estimado de $160 millones,  superando también los $151 millones de Spider-Man 3 el año pasado. Eso en sólo 3 días.

El cielo es el tope para esta película, que caso raro, los críticos aman más que la misma audiencia, llamándola un épico que trasciende a su género y el material en que se basa, comparable con El Padrino II y Heat de Michael Mann.

La demanda ha sido tal, que Warner Bros ha tenido que agregar screenings adicionales en todo Estados Unidos, y hay cines en los que The Dark Knight se está presentando las 24 horas.

Mientras tanto, la película le sigue a WALL•E con los mejores reviews del año, con un promedio de 8.5 de los top critics de rottentomatoes.com.

Y pensar que aquí tenemos que esperar todavía todo un mes...

 

Actualización: No sólo rompió el record de Spider-Man 3 con un estimado de $155 millones, sino que se ha convertido [al menos momentáneamente] en la película #1 del Top 250 de IMDb, superando a El Padrino. No creo que dure mucho ahí, pero es una muestra del nivel de entusiasmo de los "fanboys" por la película.

Actualización #2: Los estimados quedaron cortos, la película en realidad recaudó $158.41 millones de viernes a domingo, rompiendo también el record de la mayor recaudación en un domingo, con $43.6 millones. Todavía se mantiene en el puesto #1 en IMDb.

Hancock [Peter Berg, 2008]

Si Hancock supiera qué clase de película quería ser, tal vez el resultado hubiese sido mucho menos frustrante.

Cuando hablé hace unas semanas de Hulk, me quejaba de que aunque se trata de una película correcta, no era más que la misma fórmula que verdadermente ya comienza a hartar.

Peter Berg [The Kingdom, Friday Night Lights], un director que obviamente posee mucho talento, ha optado convertirse en director de películas de estudio por encargo -nada de malo en eso- pero a estas alturas ya se debe haber dado cuenta que si hay algo que a Hollywood no le gusta es tomar riesgos. Más aún cuando se trata de una película con la más grande de todas sus estrellas y con un presupuesto de $150 millones de dólares.

La idea de Peter Berg de riesgo al parecer era salirse del modelo establecido por Marvel y DC Comics y crear un tipo de superhéroe totalmente nuevo, pero no sólo se queda en el intento, sino que el resultado es una desigual mezcolanza de acción y humor reiterativo, que luego se desvía hacia el drama con algo de mitología tirada en medio, todo eso en sólo 90 minutos. Porque para una película con ambiciones tan altas, en 90 minutos es simplemente imposible dar a cada elemento el tiempo suficiente para desarrollarse propiamente, lo que resulta en el desmoronamiento estrepitoso de un último acto tan divorciado de lo demás, que parece que estuvieramos viendo una película totalmente diferente.

Evitando la obligatoria introducción en la que conocemos al héroe y observamos cómo obtiene y va descubriendo sus poderes, nos encontramos directamente con un tipo al que todos odian, la antítesis del superhéroe all-american con mallas rojas y azules. Batman y Spider-Man tienen sus lados oscuros, pero Hancock lo lleva al extremo, es un desadaptado que a pesar de su indiferencia hacia su propia condición excepcional, por alguna razón no puede evitar su llamado superior a hacer lo correcto, aunque en el camino termine haciendo más daño que bien.

La idea de recurrir a alguien tan carismático y querido por el gran público como Will Smith para un personaje así resulta un arma de doble filo. En pos de establecerlo como alguien despreciable, la película pierde tiempo reiterando una y otra vez el carácter desenfadado del personaje, agregando breves pinceladas en las que se le presenta como el alma torturada en búsqueda de su lugar en el mundo.

Es ahí donde comienzan los problemas, cuando se quiere establecer el “mito” de Hancock a través un twist rebuscado y poco creíble, en el que un personaje que parecía incidental cobra importancia, todo hecho con el expreso propósito de preparar el terreno para las inevitables secuelas.

Como se observó en la excecrable Spider-Man 3, lo peor que puede hacer un película de este tipo es violar su lógica interna, perder su verosimilidad dentro de su propia inverosimilidad. En una película de tan sólo hora y media resulta contraproducente jugar con un cambio de tono tan brusco, de parodia a tragedia trascendental, pero ese es el resultado del proceso de “colaboración” que existe en este tipo de cine donde hay tantos intereses de por medio, donde además del director y un batallón de más de 6 escritores, también están los ejecutivos del estudio, los productores y el mismo Will Smith, y lo que quedan son retazos de película en lugar de una visión cohesiva y coherente.

A pesar de ser un producto de encargo, los toques visuales ya tan distintivos de Peter Berg como el uso de cámara en mano, las tomas meditativas y los primenos planos extendidos de los rostros de Will Smith y el de la bellísima Charlize Theron acompañados de la música grandilocuente están todos presentes. Un rastro de que detrás, escondido dentro de un producto tan manufacturado hay una visión interesante y una buena idea erráticamente llevada a la pantalla.

Aunque Hancock pretende dentro de su status de película blockbuster ser un análisis sobre la vulnerabilidad del arquetipo del superhéroe, se queda a mitad de camino, en meras pretenciones, y nos queda la inquietud de que con una idea tan novedosa el resultado pudo haber sido excepcional y no algo instantáneamente olvidable.

The Moon and the Superhero - John Powell

House of Cards

Se interrumpe momentáneamente la programación cinematográfica regular  para compartir con ustedes el nuevo paso revolucionario de la mejor banda del mundo.

Parece que Radiohead se ha propuesto que cada nueva estrategia suya sea con el objetivo de no parecerse a nada.

Ahora se unen a Google para lanzar y promocionar el video de House of Cards [la mejor canción de In Rainbows], hecho sin cámaras tradicionales y sin luz, utilizando tecnologías similares a las que usa Google para Google Earth:

No cameras or lights were used. Instead two technologies were used to capture 3D images: Geometric Informatics and Velodyne LIDAR. Geometric Informatics scanning systems produce structured light to capture 3D images at close proximity, while a Velodyne Lidar system that uses multiple lasers is used to capture large environments such as landscapes. In this video, 64 lasers rotating and shooting in a 360 degree radius 900 times per minute produced all the exterior scenes.

 

Ninguna otra banda cree tanto en la cultura open source como Radiohead [después de todo, pusieron su album disponible para que cada quien pagara lo que deseara por descargarlo] y ahora lanzan este video esperando que los fanáticos y desarrolladores de software puedan hacer sus propios remixes y variaciones .

Para más información de cómo se hizo el video, clickeen aquí.

 

Como extra, este es su mejor video, y quizás el mejor video musical que se haya hecho jamás - Karma Police:

Presto

Una de las cosas que más se anticipan de cada nueva trabajo de Pixar es el cortometraje que se presenta antes de la atracción principal.

Cada corto sirve como especie de escuela para sus animadores, que luego pasan a dirigir largometrajes, como ya ha sucedido con Andrew Stanton [Finding Nemo, WALL•E] y Pete Docter [Monsters Inc, la próxima Up].

Con WALL•E presentaron Presto, que creo que lo mejor que han hecho desde que mostraran For The Birds con Monsters, Inc.

Con animación impecable, combinada con el humor slapstick y carencia de diálogos de los clásicos de Chuck Jones y los mejores episodios de Tom y Jerry de la era de Hanna-Barbera, esto es Presto, dirigido por Doug Sweetland:

 

Este es For The Birds, dirigido por Ralph Eggleston:

 

Para conocer más sobre los otros cortos de Pixar, clickeen aquí.

Tarantino: Inglorious Bastard

Tras 11 de años de preparación y de falsos comienzos, Quentin Tarantino parece por fin haber completado su guión de Inglorious Bastards.

Como siempre, no esconde sus influencias -a las que sus detractores llaman robos descarados- y en esta ocasión se inspira desde The Guns of Navarrone y The Dirty Dozen, hasta Munich de Steven Spielberg.

Estructurada en capítulos individuales como Kill Bill, la historia sigue a un escuadrón de soldados americanos llamados "The Basterds" [no se sabe si la falta ortográfica es intencional o no], cuya misión es asesinar a cuanto Nazi sea posible durante su recorrido por la Europa ocupada, guiados por uno que promete ser uno de los personajes más icónicos del canon de Tarantino, el Teniente Aldo Raine [al parecer en alusión a Aldo Ray, actor clase-B de los que tanto le gustan], descrito como un militar gung-ho a lo George C. Scott en Dr. Strangelove:

La opción número uno en la lista de Tarantino para interpretarlo es Brad Pitt, y se habla de que los favoritos de siempre como Tim Roth, Samuel Jackson, Michael Madsen y Uma Thurman también tendrán participaciones importantes.

Sus planes son comenzar el rodaje en Octubre y tener la película lista para ser presentada en el Festival de Cannes del año próximo.

De acuerdo a las reseñas de New York Mag y Latino Review, Inglorious Bastards es el urtext definitivo de Tarantino, combinando en una misma historia su amor por el cine clásico [películas de guerra, westerns y el cine alemán pre-WWII], el cine basofia [como el kitsch del master-of-schlock italiano Tinto Brass] su atracción por personajes femeninos fuertes y sobre todo su predilección por diálogos extendidos donde los personajes simplemente hablan [véase Pulp Fiction y todo el primer acto de Death Proof].

 

Aunque me encanta leer guiones [los de Double Indemnity y Chinatown han sido dos de las lecturas de mi vida], en este caso quiero mantener la sopresa intacta.

Para los interesados y curiosos, aquí esta Inglorious Bastards en dos partes [en PDF, se necesita Adobe Reader]:

Inglorious Bastards - I

Inglorious Bastards - II

The Happening [M. Night Shyamalan, 2008]

M. Night Shyamalan junto a la audiencia de su próxima película.

Hay algo casi poético en el acto de observar a alguien autodestruirse.

Más aún cuando se trata de alguien tan creído y prepotente como nuestro auteurcito y autoproclamado pichón de Alfred Hitchcock, M. Night Shyamalan.

Sólo basta con leer alguna entrevista suya editada durante el estreno de cualquiera de sus películas para colegir que el presidente del “Club de Fans de M. Night Shyamalan” es M. Night Shyamalan.

El suyo es uno de esos casos en los que Hollywood parece regocijarse ante la llegada triunfante de un nuevo talento, pero ese regocijo palidece ante el schadenfreude de observarlo fracasar una y otra vez.

Con atrocidades tan terribles como The Village y su anterior Lady in the Water, el que su próxima película fuese un desastre de dimensiones parecidas no debería ser causa de sorpresa.

Sus apologistas dirán que ambas son discursos mayores sobre la pérdida de la inocencia en un mundo cada vez más convulsionado, pero lo que ha hecho con The Happening es el paroxismo de lo ridículo.

Estamos ante un conjunto de situaciones una más disparatada que la anterior, actuaciones que recuerdan a Nicolas Cage en The Wicker Man, y momentos de hilarante comedia no intencional que rivalizan a lo mejor [¿o lo peor?] de Ed Wood.  Lo que hace lo malo peor es  el tono de seriedad que permea todo, una seriedad que espanta. Aquí todo se trata sin el menor atisbo de ironía, excepto los momentos en los que Shyamalan pretende guiñar el ojo a la audiencia recordándole que esto se trata de una "película clase B", como en la escena donde humilla al pobre Mark Whalberg poniédolo a hablar con una planta de plástico.

Porque más que el tema de la naturaleza volviéndose en contra del hombre, lo que asusta es que este caballero realmente se cree todo esto, de verdad cree que esto es un verdadero tratado serio y temáticamente complejo sobre el abuso del hombre hacia su medio ambiente.  Estamos hablando del mismo individuo que en su película anterior interpretaba al salvador del universo.

Pero no todo es malo, hasta un reloj dañado deja de equivocarse dos veces al día. Shyamalan demuestra que es un técnico más que capaz a la hora de crear tensión o de realizar un encuadre efectivo, pero lo que lo diferencia de alguien como Alfred Hitchcock, a quien tanto se ufana de emular, es que éste conocía sobre sus debilidades como guionista y dejaba esa tarea en manos de expertos, mientras el se encargaba de lo suyo - crear imágenes memorables. Como buen megalómano, Shyamlan insiste en escribir sus propios guiones, que vistos los productos finales, parecen primeros borradores que nadie se molestó en revisar.

Los mayores beneficiados de la existencia de The Happening no son los críticos que tanto disfrutan destruir cada nuevo bodrio del Sr. Shyamalan, sino los hermanos Wayans, a los que sin proponérselo acaba de poner en bandeja de plata material suficiente para hacer sus Scary Movie 5, 6 y 7.

Eurocine

El ciclo de Eurocine continúa en la Cinemateca Dominicana, inciando el pasado jueves la fase de "Nuevos Clásicos" y "Clásicos Contemporáneos."

Aunque como siempre la selección es desigual y poco coherente, y el título de "Clásico" es debatible y acelerado para el 90% de las selecciones, en este grupo se encuentran unos cuantos títulos que verdadermente valen la pena y representan una alternativa al cine de Hollywood que acapara las salas tradicionales.

Algunas recomendadas para esta semana:

Sábado 5

5:30pm

Persépolis [Dir. Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, 2007, Francia]

7:30pm

Breaking the Waves [Dir. Lars Von Trier, 1996, Dinamarca]

Eastern Promises [Dir. David Cronenberg, 2007, GB]

Domingo 6

7:30pm

Los Amantes del Círculo Polar [Dir. Julio Medem, 1998, España]

9:30pm

Azuloscurocasinegro [Dir. Daniel Sánchez Arévalo, 2006, España]

Lunes 7

7:30

Run, Lola, Run [Dir. Tom Tykwer, 1997, Alemania]

Miércoles 9

7:30pm

Daywatch [Dir. Timur Bekmambetov, 2006, Rusia]

9:30pm

La Sconociuta [Dir. Giuseppe Tornatore, 2006, Italia]

Why so serious?

"Three days after the screening, I am still haunted by some visual images; lines of cynical dialogue, particularly by the sinister Joker, splendidly and scarily played by Heath Ledger, who should receive a posthumous Oscar nomination, if not the award itself. Of all the Batman movies, including the first four made by Tim Burton and Joel Schumacher, "Dark Knight" is by far the most technically impressive and the most resonant in tone, a picture that is in tune with the fear and paranoid that prevail in our society in the post 9/11 era." -- Emmanuel Levy.

 

"... this is an epic film. It’s the “Godfather II” of comic book films and three times more earnest than “Batman Begins.” Easily the most adult comic book film ever made. Heath Ledger didn’t so much give a performance as he disappeared completely into the role; I know I’m not the first to suggest this, but he’ll likely get at least an Oscar nod (if not the win) for Best Supporting Actor. [The film is] nearly three hours long and only leaves you wanting more. I can’t imagine anyone being disappointed by it. Nolan and crew have created something close to a masterpiece.” -- Kevin Smith.

 

It isn't an overstatement to call The Dark Knight the most sophisticated and ambitious work of its kind. Superior to all three Spider-Man installments and even its amazing predecessor in terms of conceptualization, writing, acting, and direction, Nolan's follow-up to Batman Begins is a dark, complex and disturbing film, not the least of which because it grafts its heroics onto the blueprint of actual reality rather than that of spandex-clad supermen. The Dark Knight qualifies as the first official comic book adaptation that truly succeeds in being a great artistic achievement in its own right. -- IGN.

 

In summation, The Dark Knight is a rarity in Hollywood — a truly earnest adaptation that in many ways exceeds even the brilliance of the work upon which it is based. It is a film that is on a grand scale with larger-than-life characters, but also that is grounded by a plausible story and a very real environment. -- Film Rejects.

 

Ledger's performance in the Batman tale "The Dark Knight" is so remarkable that next January 22, the one-year anniversary of his death, he could become just the seventh actor in Oscar history to earn a posthumous nomination. -- CNN.

 

Nominaciones al póstumas al Oscar, comparaciones con El Padrino II...no creo que ninguna película pueda superar las expectativas que se crean al leer reacciones como esas, pero esperemos.

Lástima que aquí tengamos que aguantar hasta el 14 de agosto.

Bond 22

Quatum [kwon-tuh-m]: Del Latín "Quantus", significando "Cuánto", "Qué tanto."

Solace [sol-is]: Aquello que conforta, consuela o alivia.

¿Cómo se cuantifica el remedio para curar un gran decepción?

Esa parece ser la respuesta que busca el Agente 007 en esta su aventura número 22.

En este blog somos fanáticos a muerte de James Bond desde pequeños, y consideramos a Casino Royale como la mejor película de la serie y a Daniel Craig como un fuerte contrincante de Sean Connery como el mejor Bond. Admiramos sobremanera la inyección de vitalidad que dieron tanto Craig como su director Martin Campbell a una franquicia que parecía moribunda luego de ver una de sus peores entregas en Die Another Day.

Es grande la promesa que se crea al final de Casino Royale, desde la creación por primera vez en la serie de un verdadero arco temático entre una película y otra, y la reaparición de la organización SPECTRE.

Quantum of Solace es desde ya una de nuestras películas más esperadas del año.

Aquí el primer trailer, lanzado el día de hoy:

BADASS.

Espérenla en todo el mundo el próximo 7 de Noviembre.

Technorati Tags: James Bond,Trailer,Quantum of Solace

WALL•E [Andrew Stanton, 2008]

La tendencia de Pixar se mantiene. 

Continúan exhibiendo con cada proyecto una madurez contundente tanto en su narrativa y puesta en escena como en los temas que abordan desde que iniciaran en 1995 con Toy Story. En los últimos dos años, la forma en que retratan esos temas se ha vuelto más ambiciosa y arriesgada, desde la no muy comercial Rataouille el año pasado, hasta la presente, una película prácticamente muda y con temas los más adultos de toda su filmografía.

Pixar no se conforma como lo hacen otras casas de animación digital con reunir un grupo de voces de celebridades alrededor de una excusa de historia, que al final resulta ser una simple colección de gags y referencias pop-culture que se olvidan al instante.

Al llegar a WALL•E, se observa una evolución importante en el canon de Pixar. Los que tienen la oportunidad de conocer su metodología de trabajo, sabrán que es un lugar donde prima el sentido de la familiaridad y la colaboración artística.

Aunque se trata de un colectivo, es interesante como Pixar encaja dentro de la teoría del auteur de Andrew Sarris. Los visuales distintivos, acompañados de los temas recurrentes y la evolución en su presentación están allí.

Si miramos atrás, Toy Story y A Bug's Life podrían identificarse como su etapa infantil. Considerando que son sus primeros esfuerzos y que sus creadores eran en ese momento hombres de familia jóvenes con hijos pequeños, son películas en las que la aventura y el sentido de descubrimiento de un mundo totalmente nuevo son el tema principal.

Después tenemos a Toy Story 2, Finding Nemo y Monsters Inc, en la que los que los niños [Andy, Nemo y Boo] ya comienzan a crecer, y sus figuras paternas [Woody/Buzz, Marlin, Mike/Sully] al final deben aprender a lidiar con lo que esto acarrea, incluyendo la separación.

Pero ahora con The Incredibles, Ratatouille y WALL•E comienza su etapa más interesante y hasta podría decirse que oscura. El asunto es ver como individuos extraordinarios deben aprender a pertenecer a un mundo conformista y que rechaza todo aquello que sea diferente, enfrentándose en el camino con obstáculos dados por esa característica de no encajar dentro un molde.

John Lasseter, presidente de Pixar, y Andrew Stanton, su segundo en comando y director de Finding Nemo y de la presente, son declarados fanáticos del maestro japonés Hayao Miyazaki.

Con sus historias cargadas de espiritualidad y alegoría sobre la relación del hombre con el medio ambiente, Miyazaki es una leyenda y figura de culto e inspiración entre los amantes de la animación, y estoy convencido que su cine ha sido uno de los catalizadores de esta nueva etapa dentro de Pixar.

Lo que es más, si no fuera por la animación computarizada, cualquiera pensaría que WALL•E es una película de Miyazaki. En más de un aspecto recuerda a su obra maestra Spirited Away.

Y las similaridades no se limitan a Miyazaki. Andrew Stanton y su equipo se inspiran en lo mejor de la ciencia ficción, desde Arthur C. Clarke, Kubrick y 2001, Blade Runner, Alien y Brazil, hasta la sensibilidad de los padres del silencio como Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd y Jacques Tati.

Cumpliéndose las predicciones que escuchamos todos los días últimamente, el hombre terminó por destruir la tierra.

Los sobrevivientes dejaron detrás unidades de Waste Allocation Load Lifter-Earth [WALL•E] para que se dedicaran a limpiar el desastre, mientras ellos viajan por el espacio a la espera de que la tierra se regenere por sí sola.

En estos 700 años de rutina, dentro de la que se incluye la visión diaria de una gastada cinta de Hello, Dolly!, la única unidad que queda en operación parece haber desarrollado conciencia propia, y ahora sólo desea que alguien le tome de la mano y descubrir qué otra cosa hay allá afuera al igual que los personajes de ese musical, que se ha convertido en su única referencia de lo que constituye ser humano.

La primera parte es un hermoso retrato casi silente sobre la soledad. Olviden que WALL•E es un robot, porque detrás de esos ojos tan expresivos hay un personaje genuino, dinámico, emocional, que con la llegada de EVE, un robot enviado por los humanos en búsqueda de vegetación, descubre que su verdadero propósito va más allá de hacer torres de chatarra.

Como en las mejores películas de ciencia ficción, la aventura de viajar por el espacio es fascinante, y el trabajo de animación en estas escenas es de lo mejor que Pixar ha hecho en toda su historia. Hay una secuencia en particular en la que EVE y WALL•E bailan en el espacio acompañados sólo por la música de Thomas Newman, que es de una belleza sobrecogedora.

Define Dancing - Thomas Newman

 

 

Mitad historia de amor y mitad llamada de alerta, hace tiempo que no se realizaba una crítica tan honesta y visualmente impactante de nuestra destructiva cultura contemporánea.

No es sólo la forma en que abusamos de nuestro medio ambiente, también es como tratamos nuestros propios cuerpos producto de un consumismo voraz alimentado por las grandes corporaciones y el deseo de gratificación instantánea.

En esta visión del futuro, el hombre se ha vuelto un zombie sin voluntad, dependiente de máquinas para hacer la más mínima de las tareas, y lo peor, evitar a toda costa el contacto con sus semejantes. Tenía que llegar una máquina hecha para no sentir para enseñarles nuevamente lo que significa ser humano.

La conexión con Hello, Dolly! que al principio parecía fuera de lugar, inciando la película con Put Your Sunday Clothes On, una canción que reza "There's lots of world out there, We're gonna find adventure in the evening air, Where the lights are bright as the stars!", luego sirve para poner las cosas en perspectiva.

De la misma forma que concluir con otra canción del mismo musical, una que dice "It only took a moment, to be loved a whole life long" también nos deja claro que lo que acabamos de presenciar es una reinvención extraordinaria de la historia de amor más elemental.

Un triunfo técnico y artístico, trascendental, urgente, Pixar demuestra nuevamente cómo se cuenta una historia, y por esto,  WALL•E será recordada como uno de los pináculos de la animación moderna.

Ahora sólo queda esperar ver cómo manejarán la tarea de superarse a sí mismos nuevamente con su próximo proyecto Up en el 2009.

 

It Only Takes a Moment - Hello, Dolly!

 

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Ya casi...

"Andrew Stanton, who won an Oscar in 2004 for Finding Nemo, has certainly earned his place in the pantheon of animation pioneers, but with WALL•E, he has taken not only the art of animation, but the art of storytelling to new, unimaginable heights."

"Just like last year's Ratatouille, WALL•E is a rich and visually sophisticated visual achievement"

"One of the best movies of the year, as beautifully done as anything Pixar has ever done"

"WALL•E is downright chilling in places, without ever ceasing to be funny, exciting, heart-warming entertainment in the now time-honored Pixar tradition"

¡Sólo falta un día!

The Incredible Hulk [Louis Leterrier, 2008]

Edward Norton es uno de los mejores actores de su generación. Probablemente el mejor de todos.

Lamentablemente, en algunos círculos su reputación de egocéntrico difícil precede sus credenciales como intérprete.

Tony Kaye, director de American History X -la película de su carrera- no puede ni escuchar su nombre. Al parecer, si Norton es problemático durante el rodaje, lo es mucho más aún en la post-producción. Durante la fase de edición, Norton literalmente le quitó la película de las manos, y tomó el control a partir de ahí, convirtiendo la película en un showcase para lucirse. Los resultados fueron muy buenos - se convirtió en la nueva estrella a la que había que poner atención y obtuvo una nominación al Oscar [que debió ganar], pero ahí se inició su mala fama.

Luego de un par de años haciendo papeles menores pero memorables [Kingdom of Heaven, en la que ni vemos su rostro] y buenas películas que nadie vió [The Painted Veil], su promesa de convertirse en el gran actor referencia de su generación nunca se ha cumplido. Los papeles que podrían ser suyos van a parar donde Johnny Depp, Christian Bale o Jude Law, todo porque son muy pocos los estudios y directores que se atreven a trabajar con un actor que exige crédito de productor y que pone en sus contratos la opción de reescribir o modificar el guión a su discreción. Ya ha tenido problemas con el WGA por eso, llegando al punto de negarse a acreditarlo por su trabajo en los guiones de Frida y de la presente.

Ahora se encuentra con un proyecto que le apasiona, que le puede devolver el favor de Hollywood, apadrinado por una Marvel independiente, que ahora es la dueña de sus propios proyectos y es capaz de llevar a sus personajes por el camino que desea sin la intervención de un estudio, y pasa lo mismo - problemas con Marvel y problemas con su director Louis Lerretier por las mismas "diferencias creativas", al punto de negarse a hacer promoción para la película.

Un proyecto plagado de rumores negativos desde el incio de su producción lo último que necesitaba era que su estrella renegara de ella. Todo parecía que sería un fracaso mayor que su predecesora.

Aunque el Hulk de Ang Lee fue un estrepitoso fracaso comercial y de crítica, siempre he pensado que mejor un fracaso con cojones que un "logro" mediocre.

La ambición artística y temática estaba presente en cada cuadro de esa película, el que fuera existosa en ello o no es incidental. Cuando el Hollywood actual sólo se preocupa por embobar a las masas mientras les saca el dinero de la cartera, debería aplaudirse la audacia de un auteur como Ang Lee de tomar los $130 millones de un estudio y convertir su película veraniega en un drama existencial sobre los conflictos padre-hijo.

Aprendida esa lección, la Marvel decidió irse por lo seguro, contratar a un director de encargo como Louis Leterrier que no trajera problemas y aceptara órdenes, y balancearlo con actores que trajeran credibilidad y peso al proyecto como Edward Norton, William Hurt y Tim Roth.

Ahora Bruce Banner no es un hombre atormentado por el trauma de su niñez, sino un Fugitivo a lo Richard Kimble, en movimiento constante en búsqueda de una cura a su condición como Kimble de probar su inocencia, y al igual que Kimble, con un hombre obsesionado con capturarlo tras él. Muy reminicente a la serie de televisión de Bill Bixby/Lou Ferrigno con la que crecimos.

Irónico que los momentos que más se asemejan al Hulk de Ang Lee sean los mejores de esta película, esas escenas contemplativas en las que se explora el lado Dr. Jekyll del personaje y en las que Edward Norton demuestra nuevamente su talento como actor.

Lo demás es la fórmula de siempre: Exposición-Acción-Exposición-Acción-Fin. No al punto de llegar a lo mediocre, se queda en ser simplemente una película correcta con uno que otro momento verdaderamente destacable, como todo el primer acto desarrollado en Brasil. Muy pocos saldrán disgustados al verla, pero dudo que alguien salga extasiado, convencido de haber presenciado algo revelador para el género como Batman Begins o Spider-Man 2.

Tal vez esa fuera la intención de Norton, pero no así la de Marvel, que sólo estaba interesada en revivir al personaje y alistarlo para su inclusión en su futura película de The Avengers, como queda claro con la aparición de cierto personaje al final.

Que tengan suerte en la casi imposible tarea de firmar a Edward Norton para la segunda vuelta.

Cinema en Clave

Un orgullo que este su blogcito de confianza haya sido uno de los escogidos por Clave Digital para su nueva sección dedicada a los blogs.

Un honor pertenecer aún ínfimamente al medio periodístico más confiable y objetivo de la República Dominicana. Quizás el único que queda.

Mis agradecimientos por su consideración al Señor Fausto Rosario Adames, director de Clave Digital y del Semanario Clave, y a Argénida Romero, Reportera de Clave Digital.

10 Top 10

Los que visitan este su humilde blog de confianza se habrán dado cuenta que me encantan las listas.

Si han visto High Fidelity, Rob Gordon soy yo. Vivo para hacer listas de cualquier cosa y discutirlas.

Ayer, el American Film Institute, instutición que vela por la preservación y promoción del cine norteamericano y reconocida [mal que bien] por sus listados, lanzó las más recientes adiciones a su serie "100 Years...100 Movies" en un interminable evento televisado de 3 horas por CBS.

Por el hecho de limitarse a considerar sólo películas norteamericanas, sus listas resultan repetitivas y poco diversas. También está el asunto de que, al igual que la AMPAS, el miembro votante promedio del AFI es un señor judío blanco de más de 60 años.

Luego de hacer listas sobre las 100 mejores películas, los 100 mejores romances, las mejores canciones, los mejores héroes y villanos, este año, para abarcar el mayor número de películas posible evitando las constantes repeticiones, decidieron hacer 10 listas de 10 películas cada una clasificándolas por género: Animación [que no es un género, sino una técnica], Romance, Western, Deportes, Misterio, Fantasía, Ciencia Ficción, Gángster, Tribunal y Épico. Extraño que hayan dejado por fuera dos géneros tan netamente norteamericanos como el Cine Negro y el Musical, pero hay que guardar material para el año próximo.

En general, son listas balanceadas y compuestas de películas absolutamente esenciales para el que se precie de ser un film buff, pero como siempre hay omisiones e inclusiones garrafales:

• Animación

1. Snow White and the Seven Dwarfs
2. Pinocchio
3. Bambi
4. The Lion King
5. Fantasia
6. Toy Story
7. Beauty and the Beast
8. Shrek
9. Cinderella
10. Finding Nemo

Presentes están las tres películas más importantes de la historia de la animación - su génesis [Snow White], su transformación en Arte [Fantasia] y su reinvención [Toy Story].

Shrek no tiene lugar aquí.

• Romance

1. City Lights
2. Annie Hall
3. It Happened One Night
4. Roman Holiday
5. The Philadelphia Story
6. When Harry Met Sally
7. Adam's Rib
8. Moonstruck
9. Harold and Maude
10. Sleepless in Seattle

Ni hablar de que en esta lista no hay una sóla película de los auténticos padres de la comedia romántica norteamericana como Preston Sturges, Billy Wilder y Ernst Lubitsch.

El cine de Chaplin siempre resultaba una amalgama de géneros, desde la denuncia social hasta la comedia física, y personalmente no clasificaría a City Lights como romance, pero su elección como número uno es una grata sorpresa dentro de tantas elecciones obvias.

Annie Hall o Roman Holiday serían mi #1.

• Western

1. The Searchers
2. High Noon
3. Shane
4. Unforgiven
5. Red River
6. The Wild Bunch
7. Butch Cassidy and the Sundance Kid
8. McCabe and Mrs. Miller
9. Stagecoach
10. Cat Ballou

Se ignoró la enorme contribución al género de las colaboraciones entre Anthony Mann y James Stweart como The Naked Spur y Winchester 73 en favor de una película tan sobrevalorada como Shane y otra tan olvidable como Cat Ballou. Ni mencionar la omisión de una de las películas más importantes del Western como The Man Who Shot Liberty Valance [de la que hablé hace un tiempo].

Las demás merecen estar ahí, especialmente una elección tan arriegada [para los estándares del AFI] como McCabe and Mrs. Miller de Robert Altman.

• Deportes

1. Raging Bull
2. Rocky
3. The Pride of the Yankees
4. Hoosiers
5. Bull Durham
6. The Hustler
7. Caddyshack
8. Breaking Away
9. National Velvet
10. Jerry Maguire

Raging Bull es la mejor película de Martin Scorsese, y por ende una de las mejores de la historia del cine, ¿pero se debería considerar una película sobre boxeo? Resulta más un profundo character study con el boxeo como trasfondo que un retrato cinematográfico del deporte como tal. The Natural [que ni está en la lista] debería ser la número 1.

• Misterio

1. Vertigo
2. Chinatown
3. Rear Window
4. Laura
5. The Third Man
6. The Maltese Falcon
7. North by Northwest
8. Blue Velvet
9. Dial M For Murder
10. The Usual Suspects

Como es de esperarse, Hitchcock domina la lista, pero es una lástima que eligieran a la teatral Dial M For Murder en lugar de Notorious o Shadow of a Doubt.

Blue Velvet es una elección arriesgada y sorprendente - no me imagino al votante promedio de la AFI viendo cine de David Lynch y proponiédolo para una lista como esta.

• Ciencia Ficción

1. 2001: A Space Odyssey
2. Star Wars: Episode IV - A New Hope
3. E.T. - The Extra Terrestrial
4. A Clockwork Orange
5. The Day The Earth Stood Still
6. Blade Runner
7. Alien
8. Terminator 2: Judgment Day
9. Invasion of the Body Snatchers
10. Back to the Future

La omisión de Brazil es imperdonable. Star Wars es fantasía, no ciencia ficción. Aliens debería estar en lugar de Alien.

• Fantasía

1. The Wizard of Oz
2. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring
3. It's a Wonderful Life
4. King Kong
5. Miracle on 34th Street
6. Field of Dreams
7. Harvey
8. Groundhog Day
9. The Thief of Bagdad
10. Big

El concepto del AFI de "Fantasía" es tan extraño, que el resultado es esta mezcolanza de películas con muy poco o nada en común.

Field of Dreams debe estar en la lista de Deportes.

• Gángster

1. The Godfather
2. Goodfellas
3. The Godfather Part II
4. White Heat
5. Bonnie and Clyde
6. Scarface
7. Pulp Fiction
8. The Public Enemy
9. Little Caesar
10. Scarface [1983]

Esta lista es lo más cercano a la perfección que el AFI ha hecho.

Lograron representar con 10 películas el nacimiento y alcance del género, comenzando por las primeras desarrolladas por la Warner Bros [Little Caesar, The Public Enemy], la que rescata al género del olvido [Bonnie and Clyde], el pináculo del género [los dos Padrinos], su reinvención en lo kitsch [Scarface de DePalma] y su entrada al nuevo siglo [Pulp Fiction].

Con películas de James Cagney y Edward G. Robinson, sólo les faltó alguna de Humphrey Bogart.

• Tribunal

1. To Kill a Mockingbird
2. 12 Angry Men
3. Kramer vs Kramer
4. The Verdict
5. A Few Good Men
6. Witness for the Prosecution
7. Anatomy of a Murder
8. In Cold Blood
9. A Cry in the Dark
10. Judgment at Nuremberg

El sentimentalismo pudo más. To Kill a Mockingbird como cine es una película correcta, pero es una adaptación sobrevalorada, elevada por la actuación y presencia de Gregory Peck.

Witness for the Prosecution o 12 Angry Men deberían estar en primer lugar, y Judgment at Nuremberg debería estar muy por encima del #10.

• Épico

1. Lawrence of Arabia
2. Ben-Hur
3. Schindler's List
4. Gone with the Wind
5. Spartacus
6. Titanic
7. All Quiet on the Western Front
8. Saving Private Ryan
9. Reds
10. The Ten Commandments

La aparición de Reds en estas listas es prueba de su resurgimiento luego de años de estar casi olvidada por su falta de disponibilidad.

La presencia de Schindler's List y Saving Private Ryan es prueba de las concesiones especiales que se hacen con el trabajo de ciertos directores.

¿Dónde están películas verdaderamente épicas como Doctor Zhivago, The Bridge on the River Kwai o Barry Lyndon? Desplazadas por Titanic, claro.